Un poco de lenguaje cinematográfico

Aprendamos hoy algo del lenguaje que utilizan los cineastas para procurarnos distintas sensaciones. Nos valdremos para ello de extractos de la película El vampiro de Dusseldorf (1931), rodada por el genial Fritz Lang.

Lo esencial es saber qué es un plano, es decir, lo que la cámara capta en una única toma. Aclaro que para hacer más amena esta introducción al lenguaje cinematográfico he reducido el número de definiciones:

La escala de planos
 

Primer plano

Vemos el busto del personaje, el rostro ocupa gran parte de la pantalla, sus sentimientos quedan al descubierto.

Plano medio

Los cuerpos se muestran hasta la cintura, a menudo se recurre a este plano para mostrar conversaciones entre personajes.

Plano 3/4, también llamado plano americano

El famoso plano americano, cuyo uso se extendió gracias a las películas del oeste, para mostrar las cartucheras de los pistoleros.

Plano general

Plano en el que vemos la figura entera de los personajes y el escenario en el que se mueven.

El plano picado frente al contrapicado

  

Plano picado

Plano contrapicado

El resultado tras el montaje. Efecto que se consigue

El plano picado da una sensación de debilidad en el sujeto pequeño, el contrapicado engrandece al mayor.

La vivacidad de un tímido plano secuencia

                    

Plano secuencia

La secuencia se rueda de seguido, sin cortes entre planos, en ella participan extras. Otro director, Luis García Berlanga, tenía al plano secuencia como su seña de identidad. 

El efectismo de un plano detalle

    

Plano detalle

Efecto que da el plano detalle tras el montaje

Destaca un objeto y le da una importancia máxima. Otro director, Alfred Hitchcock, también lo usaba con maestría.

La visión del personaje

   

Plano subjetivo

Muestra lo que ve el personaje. Aquí vemos la carta que escribe el asesino como si fuésemos él.

La continuidad que suele llevar el montaje

   

Continuidad en el espacio, a tener en cuenta en el montaje

Lo que en principio parece fácil, puede ser una labor complicada en el montaje. Si el individuo desaparece entrando en un tramo de la escalera por la derecha, en el siguiente plano debería aparecer por la izquierda. Observen en las películas cuando alguien traspasa el umbral de una puerta, ha de haber continuidad en los planos respetando la dirección en que lo hace. 

Saltos en el espacio enlazados, sin rupturas

Se oye la voz de un anónimo que lee el anuncio y luego continúa la de un tertuliano en otro escenario.

La capacidad del director para conmover

   

Planos fijos que transmiten inquietud y desasosiego

En esa escalera vacía debería estar subiendo la hija de esa mujer. En la mesa debería estar cenando la niña. El globo vuela sin dueña...

Cuando la cámara va sobre raíles

  

Travelling, la cámara se desplaza

Nos hace creer que estamos ahí, siguiendo la acción.

Estos son sólo unos pocos ejemplos de expresiones usadas por los cineastas para referirse a determinadas técnicas de su arte. Espero que les hayan sido útiles, y que puedan identificar un plano secuencia en la próxima película que visionen.

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Extracto de la película El vampiro de Dusseldorf (1931)

El vampiro de Dusseldorf (1931), rodada en Alemania por el genial Fritz Lang, está basada en hechos reales, los crímenes de Peter Kürten, apodado el vampiro de Dusseldorf. El mismo año del rodaje de este largometraje le cortaban la cabeza al despiadado asesino. El hombre que dedicara su vida a violar y matar animales y personas, a beberse su sangre, pidió que, tras cortarle la cabeza, le dejaran oír unos instantes el fluir de su propia sangre.

La película se rueda cuatro años después de introducir por primera vez el cine sonoro en los principales teatros de América (El cantante de Jazz, 1927). A principios de 1930, el fenómeno se globalizaba y se extendía por Europa. Este hecho es importante, pues una circunstancia crucial en la trama de esta cinta está vinculada al sonido, a la melodía que silba el asesino en varias ocasiones y por la que puede ser reconocido sin verse su rostro. Es admirable la interpretación de Peter Lorre, su cara y sus expresiones son hipnotizantes y llegan a sobrecoger al espectador. La filmografía de Fritz Lang, el expresionista, está llena de obras maestras: El doctor Mabuse (1922), Metropolis (1927), Furia (1936), La mujer del cuadro (1944)... Una lástima fue que al quedarse en Hollywood tuviera que amoldar su arte al estilo más comercial de la industria americana, abandonando parte de su expresionismo y concentrándose en el género de cine negro, al que, a pesar de esto, llegó a aportar buenas películas.

Como hemos podido ver arriba, la obra muestra un amplio abanico de expresiones visuales, juntos hemos aprendido más sobre las técnicas que requieren. Además de las mencionadas anteriormente, están otras como: el movimiento de la cámara sobre una grúa; los planos generales largos que muestran los cuerpos enteros de numerosos personajes y el ambiente en el que se desenvuelven; los planos aberrantes, obtenidos al colocar la cámara inclinada hacia un lado, perdiendo la verticalidad y sugiriendo inestabilidad; los primeros planos de varios rostros que piden venganza... Todo esto unido a la fotografía de Fritz Arno Wagner, el fotógrafo del horror: Nosferatu (1922), que siempre daba importancia a las sombras, crea la atmósfera apropiada para tenernos en vilo y que sintamos impresiones como la de estar en una pesadilla que quisiéramos que acabara de alguna buena manera. Así, tras visionar el desarrollo de esta sórdida historia, necesitamos conocer el final de ese asesino.

Sobre la trama de El vampiro de Dusseldorf diré que es curiosa la desesperación de los miembros del hampa, que temerosos por la extraordinaria actividad policial que se desarrolla para capturar al asesino de niñas, que les perjudica para llevar con tranquilidad su acostumbrada actividad delincuente, deciden unirse para atrapar al criminal ellos mismos y procurarse así que acabe la represión policial.

Al realizar este artículo, no consulté fuente alguna. Lo escribí de acuerdo a mis conocimientos adquiridos con el transcurrir de los años. Es decir, escribí de memoria basándome en lo aprendido leyendo revistas, libros y, sobre todo, viendo programas de televisión que trataban el tema cinematográfico. No puedo decir qué libros en concreto ni qué revistas he leído porque son muchos; desde la adolescencia lo vengo haciendo. Pero insisto, escribí esos artículos de memoria y sin consultar libros.

Si utilizas textos de mi blog, por favor, cita la fuente: http://elperiodicomasbreve.blogspot.com.es/

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La palabrota, tabú en los espectáculos

Lenny Bruce, un cómico talentoso

Extracto de la película Lenny (1974)

Anuncio original de la película Lenny (1974)

Las conocemos como palabras malsonantes, groserías, palabrotas, tacos..., ellas dan vida al lenguaje soez que usamos en ocasiones; aprendido, heredado, atrás quedaron los gruñidos que soltábamos en las cavernas. Con el tiempo, hemos elegido una serie de palabras concretas, las etiquetamos como tabúes y las reservamos lo mismo para insultar, que para poner énfasis en lo que queremos resaltar en nuestras charlas más esparcidas; tienen múltiples usos, hasta podemos usarlas para causar risa, y es aquí donde entra el espectáculo, los humoristas que comenzaron a usar estas palabras prohibidas en sus funciones. Recordemos que este blog trata del cine y los sentimientos que transmite. Así pues, existe una película, Lenny (1974), de Bob Fosse, interpretada por Dustin Hoffman, que nos cuenta parte de la vida del humorista Lenny Bruce y sus problemas con la justicia por usar palabras obscenas en sus espectáculos humorísticos. La cinta fue rodada en blanco y negro contando con el director de fotografía Bruce Surtees, un artesano que trabajara en películas como Harry el sucio (1971), Risky Business (1983), El jinete pálido (1985)... De este modo, es también interesante conocer la filmografía del director del conjunto de la obra, Bob Fosse, actor, bailarín, coreógrafo y autor de películas como Cabaret (1972) y Comienza el espectáculo (1979), donde dio a conocer una nueva forma de colocación de la cámara, usando planos cortos, desestimando el plano secuencia e innovando en el posterior montaje. En esta ocasión, dio a la película un tono documental a través del uso de un montaje característico en este tipo de cine que simula hechos sacados directamente de la realidad. Comentaré que hay desnudos en la obra, la figura humana es mostrada de una forma artística, no existía en los EEUU un puritanismo tan exagerado como el de hoy en día, que permite la exaltación de la violencia extrema y huye de la plasticidad de los desnudos.
Ruego visionen la película, cuando tengan ocasión, y recapaciten sobre la cuestión de convertir en proscritas las palabras tabúes que tanto usamos cuando nos volvemos adultos, qué ironía, mientras las prohibimos como apestadas a nuestros jóvenes, palabras a las que sólo nosotros damos fuerza con el simple hecho de prohibirlas. ¿Es esto necesario para liberar un cierto odio antes de llegar a la agresividad física? ¿Reservamos un hueco para la agresividad verbal? ¿La agresividad humana es una pulsión inextinguible?

Richard Pryor, otro cómico talentoso

Añado un resumen de la actuación de Richard Pryor en Here and now (1983), distribuida por la Warner Bros, donde podemos disfrutar abiertamente, sin policías represores, del animado humorista diciendo cosas como: "Cuando era joven, follaba todo el día, rápido: perdone, flash, ya. Pero todo el día...", "Si el espectáculo deja de ser gracioso, me sacaré la cuca y mearé sobre estos dos...", "La próxima vez que este cabrón (motherfucker) quiera entrar aquí, quitadle esta mierda"...

Extracto de la película Here and Now (1983)

He de advertir que no sólo basta con decir palabrotas para realizar un buen espectáculo de esta clase, Richard Pryor era un observador talentoso, un analista de la sociedad que le tocó vivir, y esto lo plasmaba en sus representaciones, repletas de sentido del humor, sorprendiendo a los espectadores por sus agudas sátiras, pues conocía bien la discriminación racial en el mundo y podía sacar el lado cómico a situaciones vividas por él, en realidad dramáticas, como la drogadicción, los prejuicios raciales o las discusiones de pareja.

Crítica cinematográfica con ayuda de la filosofía

Representación gráfica del Mito de la Caverna, aquel desarrollado por Plantón en La República

Bajo mi idea de fundar una forma de crítica cinematográfica que recurra en sus argumentos a la filosofía, no sintiéndome yo competente para ello y descubriendo que ya existía, dejo la dirección de la página de Internet de Filosofía del profesor Eugenio Sánchez Bravo: http://auladefilosofia.net/; por ser siempre un estímulo para el aprendizaje y un modelo a seguir para el esparcimiento gratuito de la filosofía y el compartimiento de pensamientos.

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Tomemos a risa a la tristeza

Extracto de la película La vida de Brian (1979)

Cada uno puede sacar sus propias conclusiones tras visionar este extracto de la película La vida de Brian (1979); mi impresión es la de que es bueno intentar tomarme a risa a la misma tristeza que a veces me impide pensar con claridad, ¿cuál es la que obtienes tú después de oír esta canción?

Es curioso, pero cuando nació Jesús de Nazaret, ya existían decenas de religiones sólo en aquella zona de Judea y Galilea, cultos que, considerados paganos o no, ya reunían a miles de seguidores.

La vida de Brian es un largometraje británico rodado por el grupo de comediantes Monty Python en Túnez. Contiene una forma de ironizar y criticar a la vez la manera que tenemos los seres humanos de dar demasiada importancia a cosas simples o triviales; nuestra necesidad de elevar a altares a ídolos y mecías queda aquí reflejada de una forma burlesca y simpática; eso sí, no se ataca directamente a la figura de Cristo, fundador del Cristianismo, Brian es solamente otro personaje que el pueblo confunde con Él.

Nota personal. La exaltación de los fanatismos es utilizada como medio de dominio, de posesión de almas; resta individualismos y procura la esclavitud de la creatividad. Huyo de ella como de un fuego poderoso en el bosque.

Los jóvenes sienten

Abriré un paréntesis para hablar de las sensaciones del mundo real, dejando de lado las producidas por el séptimo arte:

Los de arriba creían que sus vasallos jóvenes se habían convertido en insensibles necios, pero estaban equivocados, sienten, sienten y protestan ante la falsedad del sistema. 

España se levanta en protesta porque ellos convirtieron el privilegio de votar en algo horrible, en un apoyo a políticos nefastos, jugando siempre a denigrarse entre sí buscando poder, mientras nuestras almas caían llevándose cualquier esperanza...

¡Porque cinco mil grupos de mil almas no tienen trabajo! ¡Porque los banqueros siguen recibiendo millones de beneficio! ¡Porque hay alcaldes en España que cobran más que el presidente de la nación! ¡Porque el pueblo dijo basta!

Sin un sueldo no somos nada, escuchad, representantes del pueblo. Políticos nefastos, súbditos de los magnates de las grandes empresas, bancos y sus enormes lobbys, vuestro cruel sistema acabará por derrumbarse. Vuestra apisonadora me ha dejado malherido y, lo que es peor, por momentos me convierto en un fanático, algo que desprecio.

¡Protesta, pueblo, protesta!

Sociedades distópicas en el Cine, antiutopías venideras

Extracto de la película 1984 (1984)

Hablaré hoy de cómo ha imaginado el cine las antiutopías en las que podemos caer en el futuro. No debemos confundir estas con el cine apocalíptico tipo Mad Max (1981); sí son antiutopías las que se muestran en: Metropolis (1927), El tiempo en sus manos (1960), La fuga de Logan (1976), Blade Runner (1982), Gattaca (1997), Dark City (1998), Matrix (1999)...

Utopía fue una república imaginaria concebida por Tomás Moro en 1516. Más tarde, el concepto se generalizó y comenzó a usarse para identificar a una sociedad ideal inventada. En principio, es una sociedad que parece irrealizable si no miramos más allá de las condiciones del momento concreto en que nace la utopía, si no cambiamos las reglas establecidas, tan arraigadas como inmutables. Una utopía nos estimula a ver lo que no es y podría ser. Recordemos algunas obras literarias utópicas: La República, de Platón; La Nueva Atlántida (1627), de Francis Bacon; Telémaque (1699), de Fénelon; Viaje a Icaria (1840), de E. Cabet; Noticias de ninguna parte (1890), de W. Morris...
La antiutopía, la sociedad no ideal que llamamos distopía, nace como una necesidad de alerta, una especie de advertencia sobre lo que no quisiéramos que sea; esto es porque la describen pensadores nobles, de buena fe; aunque nos hablen de regímenes autoritarios, de sociedades alienantes y totalitarias, en realidad nos pretenden advertir y despertar inquietudes que nos ayuden a evitar la implantación de un estado dominante, que al buscar lo que llaman un mundo más justo se pierdan muchas de las libertades individuales. Tanto la utopía como la distopía sirven para satirizar la sociedad actual y criticarla. Como ejemplos de distopías en la literatura cito: Nosotros (1921), escrita por el ruso Yevgueni Zamiatin; Un mundo Feliz (1932), de Aldous Huxley; Fahrenheit 451 (1953), de Ray Bradbury; 1984 (1948), de George Orwell... Todas del siglo XX, pues en él nació el pensamiento distópico. La novela antiutópica atrapaba lectores y pronto el cine se hizo cargo de ello, comenzó a hablar de distopías usando imágenes. No bien nacía el nuevo invento del cinematógrafo y los nuevos creadores buscaron explorar distintas formas de experimentar sobre los sentimientos que transmitía, conmover a los espectadores, llevarlos a mundos desconocidos: Viaje a la luna (1902), dirigida por Georges Melies, asombrará a más de uno; presten atención al enfrentamiento entre selenitas y terrícolas, que es para no perdérselo. La cinta dura sólo 14 minutos. Esta película, aún no siendo distópica, merece ser nombrada por empezar a representar la fantasía literaria en imágenes en movimiento. En 1927 se rodaría en Alemania una de las mejores películas sobre antiutopías: Metrópolis, obra maestra que cada pocos minutos contiene fotogramas que en sí ya son arte puro. Se representa a una masa entera de personas que sólo viven para trabajar, en el subsuelo, para sostener a otra clase aristócrata e intelectual, que vive al aire libre con todo lujo y modernidad. Pero en la vida real el cine americano no parecía estar interesado en mostrar distopías, prefería simplemente entretener; aunque en la literatura continuaban naciendo novelas distópicas. El cine europeo, al intentar criticar a la sociedad de su época, a menudo retrataba la de otros tiempos, como en el Séptimo sello (1957), de Ingmar Bergman, el medievo: la sufrida guerra, las enfermedades, el exilio, el escaso sentido de la vida... Tras la Segunda Guerra Mundial, y la paz conseguida, en lo que era un mundo con aires de guerra fría, parece que el cine perdió todo el interés en las distopías, le bastaba con continuar divirtiendo a medio planeta. Pero buscando ese entretenimiento cayó en representar novelas de ciencia ficción, que de alguna manera mostraban sociedades distópicas: El tiempo en sus manos (1960), donde el viajero de la máquina del tiempo se encontraba con una especie extraña de humanos, los eloi, seres de poca inteligencia que vivían en un paraíso con toda la comida al alcance de sus manos. Pero existía un terrible misterio, se oía una sirena y todos quedaban hipnotizados, algunos eran llevados a la morada de los morlocks, una especie caníbal que sobrevivió al holocausto y no soportaba la luz solar... Volvamos a la realidad, donde tal vez en Europa había más coraje que en América para hablar de los gobiernos que manipulan, y un francés, Francois Truffaut, realizó en Inglaterra toda una película distópica: Fahrenheit 451 (1966), en ella se representa un gobierno que no quiere que los ciudadanos sufran y está prohibida la lectura de todos los libros que no sean técnicos, los demás arden bajo las llamas de una unidad de bomberos especial, que en lugar de mangueras usa lanzallamas. La única distracción posible para los ciudadanos es "La gran familia", un teatro interactivo visionado en murales que ocupan toda la pared (nuestras televisiones actuales van camino de ello, son alienantes). Regresemos de nuevo al mundo real, en los sesenta y setenta gran parte de la protesta contra de los sistemas políticos deja de ser artística y sale a la calle: Mayo del 68 en Francia, una especie de huelga antisistema en contra de la sociedad de consumo, llevada por los estudiantes franceses y sin repercusiones revolucionarias, sin derrocar al estado. La Revolución de los Claveles, en Portugal en 1974, que acabó con la dictadura salazarista. Los soldados colocaron claveles (flor de temporada) en los cañones de sus armas para simbolizar que no deseaban disparar con ellos. Estas pequeñas utopías alejaron ciertos fantasmas distópicos de la conciencia colectiva. Pero llegaron los ochenta y fue cuando renació con fuerza el cine de las antiutopías: Blade Runner (1982) refleja una sociedad oscura y cerrada en sí misma, donde el vulgo malvive en una ciudad de vicio, decadente, superpoblada. En ella pareciera que mientras los replicantes (robots casi humanos) se preguntan cuándo morirán, la ciudad misma se desintegra porque le ha llegado su hora. En 1984 se rodó 1984, la cinta que mejor muestra lo que significa una sociedad totalitaria, sin concesiones a la libertad, donde la guerra se aviva a cada instante para crear más miseria. El gran hermano lo ve todo, lo domina todo, lo castiga todo. Es mejor que vean el extracto que he realizado de la película, cómo el hambre y el dolor son las fuerzas más insoportables que pueden azotar nuestra existencia, las que más nos pueden someter y alterar nuestra realidad; cómo cambiando el pasado y el presente los dictadores echan anclas de un inmenso peso para permanecer eternamente. Saltemos a la realidad otra vez, en los noventa llegó Gattaca (1997), un producto de los nuevos tiempos, de la ingeniería genética; como es función de la distopía: exagerar el presente para evitar el futuro, se muestra una sociedad que practica la eugenesia, se separa a los válidos de los no válidos. 12 monos (1995), nos muestra de qué maneras el miedo puede cambiar la estructura de la sociedad, el terror a un virus, por ejemplo. Existenz (1999), realidad virtual, el mito de la caverna renovado. Matrix (1999), construimos las máquinas buscando un mundo ideal y ellas acabaron por dominarnos, nos utilizan como sus baterías mientras nos hacen vivir una vida virtual, sin sabor, yo no notaría la diferencia. Equilibrium (2002), que hubiera sido una excelente cinta si se hubiera concentrado más en las ideas y menos en la acción. Un hombre que deja de tomar las píldoras que nos hacen insensibles porque quiere saber qué es sentir, quiere conocer las emociones humanas.

Por último y para no extenderme más, sólo me queda mencionar otras distopías recomendables con algunas ideas que despiertan inquietud: La fuga de Logan (1976), Terminator (1984), Dark city (1998), Ghost in the shell (2004), La isla (2005), Hijos de los hombres (2006)...

Fotograma de la película La fuga de Logan (1976)

En una sociedad constituida únicamente por  jóvenes, les hacen creer a los que llegan a los 30 años que es la hora de renovarse.

 Fotograma de la película Matrix (1999)

Un mundo donde los humanos son usados como generadores de energía para las máquinas.

 Fotograma de la película Gattaca (1997)

Un no válido compite con humanos seleccionados genéticamente.

Una vez más, agradecería comentarios y aportaciones a este artículo. Muchas gracias.

Nota personal. No nos aferremos a unas siglas políticas, conservemos siempre nuestra libertad de crítica de discernir lo óptimo de lo perjudicial. Lo de no dar marcha atrás es un error, debemos aprender a dar marcha atrás. La idea de relacionar La Revolución de los Claveles con una utopía, y enfrentarla a una distopía, nació en mí al escribir este artículo. Del trabajo salen las ideas, de las ideas surge el cambio.

Vídeo en el que leo este artículo siete años después de escribirlo

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