James Bond definido en un plis-plas

En 2012, se cumplieron los primeros 50 años del personaje de James Bond en el cine —para la literatura había nacido de manos de Ian Fleming en 1952—. Definir al James Bond cinematográfico en pocas palabras es sencillo: le gustan mucho las mujeres y la acción, además tiene: licencia para matar; tal es su figura que en una secuencia y dos escenas queda retratado:

1. Su trato con las mujeres: 

Extracto de la película Thunderball (1965)

"¿Te importaría darme algo para ponerme?", le pregunta ella. Bond le alcanza unos zapatos y se sienta a mirar. Lo que ocurre luego lo ponemos nosotros con la imaginación.

2. Su trato con la muerte, a la que burla una y otra vez en escenas de trepidante acción:

Extracto de la película Quantum of solace (2008)

3. Y bueno, Bond renace como el ave Fénix, tiene más vidas que un gato, ¿cómo escapó en esta ocasión?:

Extracto de la película Goldfinger (1964)

"¿Espera que hable?", pregunta James al malvado de turno, Goldfinger. "¡No, señor Bond, espero que se muera!", le contesta aquel con gusto y alegría.

Montaje fotográfico con todos los actores que interpretaron al agente 007 en sus primeros 50 años  

Fotograma de la película Octopussy (1983)

Bond es la envidia de los hombres, las mujeres vuelven su cabeza para mirarle cuando él anda por ahí. En un casino o en una piscina, 007 atrae las miradas de deseo como sólo lo hacen en la vida real las mujeres esbeltas (en la ficción, se cumplen los deseos del hombre —de su género—: que también le deseen a él). Bond vive mil aventuras y su recompensa siempre es una hermosa mujer. Durante algún tiempo me costó soportar esta mentira en el cine, hoy creo que Bond sólo es el sueño de muchos hombres que quisieran que algo de la vida fuera así, que la mujer fuera de alguna manera una recompensa. "Ilusos. La mujer tiene el corazón de piedra y sólo su belleza es importante para ella, nunca se gira a mirar a nadie", les diría alguien que conozco.

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La vida nocturna (1930), Stan Laurel y Oliver Hardy

Cortometraje La vida nocturna (1930)

Este cortometraje de arriba me sirve para que aprendamos juntos varias cosas de la historia del cine, además, nos hará valorar la capacidad de mis muy añorados Stan Laurel y Oliver Hardy para hacernos la vida un poco mejor al provocarnos la risa, que siempre es una buena píldora para los ánimos. Si tienes problemas para ver el vídeo completo en este cuaderno, acude a su sitio de YouTube.

En la primera época del cine, como sabemos, la técnica no había solucionado el problema del sonido, primero las cintas eran silentes, aunque había partituras para los pianos que se tocaban en los teatros donde se proyectaban las películas, y que acompañaban con variaciones de ritmos según lo que se estaba contando en imágenes, una persecución, una escena romántica, una guerra de tartas... Luego vino el sonido grabado, a principios de los años 30 su uso ya estaba generalizado, pero tenían un problema, el doblaje no se había inventado. Primero, los grandes estudios comenzaron a hacer versiones en castellano para el público de Sudamérica y España, se contrataban actores latinos para rodar (casi siempre por la noche) las mismas escenas en el mismo escenario (el ejemplo más usado es el de la película Drácula, 1931, de cuya versión en castellano se dice que supera en calidad a la original; coincido con ese criterio, pues es más dinámica). La cuestión fue que estas películas disgustaban en los distintos países porque el público reconocía voces muy diferentes, mejicanos, uruguayos, españoles, etc., y, desgraciadamente, ya sabemos lo gregario que es el ser humano, que a menudo no soporta el acento extranjero. Pero Stan Laurel y Oliver Hardy lo hacían de forma diferente, rodaban una detrás de otra las secuencias habladas en distintos idiomas (el montaje luego era muy laborioso), pronunciaban fonéticamente lo que les señalaban los maestros de cada lengua, alemán, francés, italiano, castellano... Los demás actores eran elegidos según la nación a la que querían vender las cintas. Sin enrollarme demasiado, la copia de Vida nocturna (1930) es la única de las versiones que queda completa y sobrevivió a la época postcode, sí, el maldito Código Hays que todo lo empezó a censurar a partir de 1934. Particularmente encuentro más bella e interesante la época precode, era un tiempo más sensual y libre.

Fotogramas del cortometraje La vida nocturna (1930)

De estas tres bailarinas, apenas podemos ver unos segundos de la primera en la versión americana de la cinta, titulada Blotto (que significa confuso por culpa de la bebida), donde la obra pierde muchísimo, pues el nivel de chispa de los chicos va subiendo de acuerdo con la cantidad de vino que toman (que no es real) y la actuación de las chicas: la primera muy alegre, la segunda más cómica, una simpática payasa, y la tercera, muy erótica; hasta lloran entremedias con la triste canción de un artista extranjero, oye, como si fuera una borrachera por grados.

La actriz Linda Loredo es la esposa enfadada en la versión en castellano, ella protagonizó en 1930 y 1931 otras de Stan y Oliver haciendo de esposa de uno y de otro, según el caso, era una especie de mujer de Sócrates (mujer de mal genio). Lo más gracioso es que el vino con el que se emborrachan Laurel y Hardy no es más que una infusión con azúcar.

Como curiosidad: el divertido acento de los chicos fue imitado luego por los dobladores al nacer la técnica del doblaje años después.

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Jack Reacher (2012), gracias por mirar a los clásicos

Una crítica rápida, sin consultar apuntes ni extenderme demasiado. La última película del más veces guionista que director, Christopher McQuarrie, es bastante entretenida. ¿Me he vuelto tarumba? No del todo y no en el día de dar este consejo (viene de antes).

Fotogramas de la película Jack Reacher (2012)

Jack Reacher (2012) es Hitchcock en sus primeros minutos. Recordemos, por ejemplo, que en uno de los episodios de Alfred Hitchcock presenta, titulado: ¡Bang, estás muerto! (1961), el maestro del suspense colocó a un niño paseando por la calle con una pistola cargada (que él cree que es de juguete), el cruel director experimentaba con el espectador llegando a despertarle instintos de asesino, nos preguntábamos: ¿a qué persona eliminará de un balazo de todas esas que apunta con su arma? En la película de McQuarrie vemos a través del punto de mira de un francotirador a una niña de manos de su cuidadora y a varios hombres y mujeres que andan tranquilamente por lo que parece un parque.

Jack Reacher es Bullit (1968), en la que el actor Steve McQueen era el perseguido mientras conducía su Ford Mustang del 68, sólo que esta vez Tom Cruise, el protagonista aquí, es zorro de noche (que la escena tiene luz artificial, vamos). En las dos películas los actores conducen realmente sus coches, sin dobles. La escena está construida con maestría, es de una acción trepidante.

También Jack Reacher es Río Bravo (1959), cuando Tom se busca como compañero para resolver su aventura nada menos que a Robert Duvall, que viene a ser un pariente del genial Walter Brennan (compañero inseparable de John Wayne), un tipo que aún conserva la puntería a pesar de sus muchos años, sólo que necesita calentarse y que dispara de oído, ¿alguien recuerda la película en que John Wayne tenía el brazo enfermo, con unos calambres que lo atenazaban, y la intriga estaba en que le darían esos calambres antes de su enfrentamiento final con el malvado de turno?

Y bueno, ahí sí han llegado otros en la Red, Jack Reacher es Harry el sucio (1971), un antihéroe con mala leche, que no soporta las injusticias, y que a veces nos saca una risotada con su peculiar sentido del humor (Clint Eastwood, para quienes comiencen sus estudios de autodidactas en cinematografía). Lo más triste de todo es que leo algunas críticas de otros compañeros de la Red, que dicen que han visto cientos de películas, y no parecen recordar ninguna que tenga más de 30 años. Críticos, que el cine tiene más de cien años. Hay que ver más películas mudas, en blanco y negro, conocer a directores como Fritz Lang, Howard Hawks y Alfred Hitchcock. En fin, que sé más por viejo que por sabio, por haberme criado cuando la televisión todavía emitía cine en blanco y negro y no tenía complejos por lo antiguo, y menos cuando era de excelente calidad.

La cuestión es que el largometraje Jack Reacher es bueno no por contener pequeñas copias de otras cintas clásicas, no, lo es por tomar algo que se sabe que es efectivo y que posee además buena calidad, y usarlo con el don de mantenerlo igualmente eficaz en un filme de nuestros días de bostezo (tiempo de películas llenas de imágenes de ordenador que duermen hasta a las inquietas mariposas de la luz, que no es el caso de Jack Reacher).

Tarea para los ratos libres de quienes quieren empezar a usar la crítica de cine, visionar las siguientes películas: La gran aventura de Silvia (1935), con un genial Cary Grant haciendo de pillastre estafador; Río Rojo (1948) y Río Bravo (1959), para saber lo que significa el western para el cine; y una cualquiera de Stan Laurel y Oliver Hardy, los reyes del gag del estropicio, pues una pincelada de humor nunca viene mal. ¿Por qué ver cine antiguo? Pues porque sus creadores fueron algunos de los que aportaron más a este arte, que no caiga en el olvido su memoria, ¡por todos los dioses, no pienses que el cine nació con Schwarzenegger o con Clint Eastwood, despierta al mundo real, crítico recién nacido! A ver si terminas de ver en estas otras películas que nombro algo de Jack Reacher (2012), o en otras que tú valores, por supuesto.

El mensaje de justiciero de la noche no caerá bien a varios amigos filósofos, pero mi crítica de hoy tiene miramientos sólo al cine como entretenimiento. Un abrazo. 

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Breve reseña de El paraíso perdido, de John Milton

Ilustración de Gustave Doré para una edición de 1866 de Paradise Lost

Voy a estudiar hoy algo del poema narrativo El paraíso perdido (1667), del escritor británico John Milton, y ustedes, si me lo permiten, están invitados. Hay mucho que aprender y poco espacio para hablar de ello, pero el trabajo es ilusionante. No soy creyente, no soy religioso, y, sin embargo, he disfrutado mucho con esta epopeya religiosa que representa la Génesis de la Biblia de una forma fuertemente armada de elementos fantásticos de enorme atractivo: el Adversario, Satanás, tiene un ejército de cientos de miles de ídolos de frente alargada y mirada siniestra, numerosos son los estandartes que se mueven tras de él. Al principio de los tiempos, no hay infierno para ir metiendo a los réprobos, sino que aquel es un lugar de tinieblas llamado Caos, donde Satán y los suyos cayeron tras ser expulsados del cielo, allí planean vengarse de Dios por aquel castigo. Dios es el creador de todo y es, por tanto, el más poderoso, tal vez algo pagado de sí mismo, egoísta e irascible, pero su hijo, que aún no tiene nombre, es todo amor, él ama a la humanidad a pesar de sus pecados.

Para atrapar a los más reticentes lectores, antes de nada, tengamos una mirada a la arenga de Satán a sus guerreros, que nos recuerda la de los pueblos oprimidos que se levantan contra las fuerzas poderosas que los conquistaron (aunque aquí aquella victoria estuvo bien justificada, las fuerzas del mal nunca lo reconocerán):

“Detiénese allí (Satanás), y llama a sus legiones, especie de ángeles degenerados, que yacen en espeso montón, como las hojas de otoño de que están cubiertos los arroyos de Valleumbrosa (…)

¡Príncipes potentados, guerreros, esplendor del cielo que un día fue vuestro, y que habéis perdido! ¡Qué tal estupor se haya apoderado de unos espíritus eternos! ¿O es que habéis elegido este sitio después de las fatigas de la batalla para dar reposo a vuestro valor, porque tan dulce os es dormir aquí como en los valles del cielo? ¿Habéis jurado acaso adorar al vencedor en esa actitud humilde? (...)

De cada escuadrón y de cada hueste acuden al punto los guías y capitanes adonde se hallaba su supremo jefe. Asemejábanse a los dioses por su estatura y sus formas, superiores a las humanas; príncipes reales; potestades que en otro tiempo ocupaban sus tronos en el cielo (…)”

Atrapados, pues, continuemos con el estudio. Las letras que eligió Milton para su poema son algo que para los ingleses forma un nuevo lenguaje, no es latín, pero tampoco es inglés tradicional del siglo XVII, es una mezcla. Confiesa el ilustre profesor de literatura inglesa John Sutherland que no podemos comprenderlo del todo sin atender a una adaptación. Tenemos que leer muchas líneas antes de saber de qué se nos está hablando, el orden lógico de las frases está cambiado, no es el lenguaje cotidiano de la época ni tampoco el de Shakespeare; como en el latín, el verbo toma la rutina de ir al final. Veamos un ejemplo del original:

“Of Man’s first disobedience, and the fruit

Of that forbidden tree whose mortal taste

Brought death into the World, and all our woe,

With loss of Eden, till one greater Man

Restore us, and regain the blissful seat,

Sings, Heavenly Muse, that, on the secret top

Of Oreb, or of Sinai, didst inspire

That shepherd who first taught the chosen seed

In the beginning how the heavens and earth

Rose out of Chaos, or, if Sion hill

Delight thee more, and Siloa’s brook that flowed

Fast by the oracle of God, I thence
Invoke thy aid to my adventurous song,

That with no middle flight intends to soar

Above th’ Aonian mount, while it pursues

Things unattempted yet in prose or rhyme” (…)

La versión que yo he disfrutado de El paraíso perdido es una traducción española, no puedo yo luchar con el entendimiento de un inglés construido como si fuera latín, cosa que incluso los ingleses encuentran dificultoso, aclaro esto porque si leemos nosotros a Góngora (de un barroco tremendo, que llaman culteranismo, cargado de unos requiebros complejísimos), siempre lo encontraremos más complicado que un inglés al leer una traducción moderna de éste a su idioma.

Pero presentemos a Milton, un hombre sobrecargado de cultura que podía escribir con la misma comodidad en latín como en inglés. Pertenecía a una familia burguesa y fue desheredado por su padre al convertirse al protestantismo. Tuvo tres matrimonios y cuentan que nunca se divorció. Toda su obra está consagrada a la fe y a su educación cristiana. El poeta se había quedado ciego a la edad que planeó su gran obra, la dictó a amanuenses y también algunos amigos suyos le ayudaron (ver nota 1), ¡qué gran virtud la suya, poder escribir de tal forma! (Galdós, nuestro genio, también lo hizo en sus últimos días, tenía para entonces una habilidad esplendorosa para novelar de corrido). Milton padeció terribles dolores de gota en sus últimos años de vida, su muerte ocurrió antes de publicarse la segunda edición de su magna obra, por la que habría recibido un escaso estipendio.

Saltemos ahora allá y acá en este gran poema sin rima y tengamos pruebas de su delicioso sabor: En unas (tercera parte), resumo, confirma Satán ya en la órbita del Sol (a la que entró camuflado en un ángel inferior para hablar con Uriel, que rige la esfera) que Dios ha creado una nueva raza, entonces se lanza en vuelo al lugar indicado; los nuevos seres viven en el Paraíso, que es nuestra Tierra primitiva (recordemos que esto es una fabulosa concepción nuestra, como la misma Génesis de la Biblia, para mí es sólo buena literatura). En aquel espléndido paraje, Eva existe para dar compañía a Adán, es bella y no sólo Adán vive por su amor, también ella es esclava de su belleza; simboliza, pues, a la mujer nuestra, la mujer que se sabe hermosa y disfruta de ese modo (léase como una generalización literaria). Un día, engañada por Satanás, que se le apareció en forma de serpiente, prueba el sabor del árbol de la fruta prohibida. Después, le dice Eva a Adán:

“Este árbol no es, como nos habían dicho, peligroso por sus frutos,  ni son éstos origen de males desconocidos; todo lo contrario; producen un divino efecto, abren los ojos a una nueva luz y se convierten en dioses los que los prueban, como he tenido ocasión de verlo” (…)

Le contesta después de otras Adán:

 “¡Oh, hermoso ser, obra más acabada y perfecta de la creación, criatura en quien Dios apuró para deleite de los ojos y el pensamiento cuanto hay de santo y divino, de bueno, de afectuoso y de encantador! ¡Que así te hayas perdido” (…)

Leamos juntos algo del argumento de la octava parte:

“Adán hace algunas preguntas sobre los movimientos celestes, a las que contesta el Ángel con palabras dudosas, aconsejándole que procure informarse de cosas más dignas de saberse. Persuádese de ello Adán; pero deseoso de tener a Rafael más tiempo consigo, le refiere todo lo que recuerda su memoria desde que fue creado (…)”

Le habla de su soledad, le hace preguntas también, el hombre quiere saber (apuntemos esto para nuestras vidas). Miremos una respuesta del ángel:

“Que sea  el cielo el que se mueve, o la tierra, te importa poco, con tal que tus cálculos sean exactos; lo demás, sabiamente ha hecho el supremo Artífice en encubrirlo tanto al hombre como al ángel, no divulgando secretos  que son para admirarlos más bien que para escudriñarse. A los que les gusta de desvanecerse en conjeturas, deja Dios que se pierdan en fútiles cuestiones sobre la máquina de los cielos, quizá para burlase  de sus vanas sutilezas” (…)

Imagino yo que durante muchos siglos esto fue así, porque el hombre se debatía entre curvas concéntricas, epiciclos, movimientos elípticos luego, y le costaba mucho dar con la trayectoria cierta de planetas como Marte, es bueno conjeturar cuando estudiamos, si nos equivocamos, ya vendrá otro a ocupar su tiempo en corregirnos, es parte de la vida y el trabajo.

Las metáforas y comparaciones de Milton tienen un atractivo especial a la hora de elegir entrar en su novela, veamos cómo define el tamaño del líder del infierno, que es monumental:

 “Por su parte, Satanás, alarmado y reuniendo todas sus fuerzas, se eleva grandioso. Indestructible como el pico Teide o el Atlas, inamovible, su estatura alcanza el cielo”.

Sin duda, Milton tenía al pico de Tenerife como de los más altos, si no el más, de nuestro mundo.

Es asombrosa la capacidad de Milton para sobrecogernos con sus descripciones de las situaciones y los personajes que en ellas aparecen. Leamos juntos partes del encuentro de Satán con su hijo, aún no se han reconocido:

 “Al ir a acercársele Satán, levantóse el monstruo de su asiento, avanzó presuroso hacia él, y el infierno retembló con sus pasos (...)
Dirígense ambos combatientes un golpe mortal a la cabeza, contando con que no han de tener que repetirlo sus fatales manos, y se provocan con sus miradas; como cuando cargadas con artillería del cielo, avanzan dos nubes lóbregas y mugiendo sobre el mar Caspio, y se colocan frente a frente hasta que un soplo de viento les da señal de romper en medio de los aires el cruel combate. Contémplanse los esforzados campeones con ojos tan sombríos, que al fruncir de sus cejas se oscureció el infierno” (...)

Elocuente, prestemos atención al poder de la frase: al fruncir de sus cejas se oscureció el infierno, quién da más.

Los elementos de la obra son muchos, los más destacados: la caída del hombre, que no es otra que la desobediencia de Adán y Eva a la prohibición de Dios (que simboliza probar la manzana, fruto del árbol de la ciencia, toda una prueba de obediencia) y el levantamiento en armas de Satanás, que busca vencer a Dios con sus ejércitos de diablos enfrentados a los ángeles y  luego engañar a sus criaturas, los humanos. Desde luego, creo que las aventuras que narra un libro moderno, como es El señor de los anillos, de Tolkien, que me habían dejado bastante frío tras su lectura por lo poco espléndido de su prosa, y tiene miles de justificados seguidores, son una mínima expresión de lo épico si lo comparamos con las contenidas en esta visión del Paraíso Perdido, los lectores modernos, amigos de la descripción de una contienda bien narrada (no me refiero a un libro de estrategia militar), podrían disfrutar mucho con las de estos ejércitos satánicos enfrentados en distintas batallas con las legiones de ángeles comandadas por Miguel y Gabriel, y, en definitiva, con la lucha entre el bien y el mal que se narra en este poderosísimo poema.

Me gustaría explicar varias concepciones sobre El Paraíso perdido: una es que la Guerra Civil Inglesa (que ocurrió a mediados del s. XVII) afectó en mucho al trabajo de Milton, esto se refleja en la división que ocurre entre los ídolos del cielo; otra es la idea del poeta de querer justificar el modo de obrar de Dios para con los hombres, que no evita ninguna de las desgracias que los asolan; y la última es la apariencia de la obra en su conjunto: una especie de fusión entre la Biblia y la epopeya homérica.

Hay una imagen (curiosa es la memoria) que me queda ya por años de esta novela, es la del coloso, padre del mal, saltando de planeta en planeta en su viaje de las entrañas del averno hasta las cadenas de oro que sostienen al cielo, aquel trayecto me pareció estar hecho, junto con otros muchos parajes de la obra, para ser representados en imágenes cinematográficas, a ver si un día hay suerte y alguien se atreve.

Nota 1: La creencia de que John Milton dictó la obra a su hija no es más que una idealización romántica, en realidad, el autor mantuvo a su hija en la oscuridad intelectual, como haciendo de Dios, le prohibió probar el fruto del árbol de la ciencia, algo que, a mi entender, es totalmente reprochable.

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Nota personal, un tanto en broma. Hay mujeres de mucha y diversa condición. Las hay sabias, como Madame Curie; grandes escritoras, como las hermanas Brontë (muy admiradas por mí); convencidas de su razón (cabezotas), como Margaret Thatcher; en fin, qué puedo decir yo que ustedes no sepan. No busquen misoginia en El paraíso Perdido ni en este artículo, miren en la calle cómo es la mujer joven y hermosa y distingan si no es una Eva en potencia. Sobre el hombre, mejor no comentar, un bruto con pulsiones sexuales a todas horas (aunque no todos, gracias a la vida).

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Puedes ayudarme a continuar en la Red con el simple gesto de ver este vídeo que he puesto en YouTube para enseñar inglés. Gracias:

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Rio (1982), un álbum de ensueño

Fotogramas de los vídeos musicales Rio y Save a prayer, ambos de 1982

  

Documental Classic Albums: Rio (2008)

Arriba tenemos acceso al documental Classic Albums: Rio (2008), en el que los componentes del grupo Duran Duran nos cuentan cómo fue las grabación del álbum Rio (1982), de dónde nacieron las ideas y, desde la visión que tiene cada uno sobre lo que aporta su instrumento musical al conjunto, detallan algunas claves para el resultado final, que, a mi entender, es magnífico.

Hace días que deseo escribir reseñas sobre distintos temas que me apasionan, como el gran poema El paraíso perdido, de John Milton, la forma en que da vida a un testimonio religioso y lo convierte en una aventura fantástica que disfrutamos incluso siglos después personas que no creemos en la religión; así como de Los viajes de Gulliver, de Jonathan Swift, ese irlandés que padeció tanto en vida y cuyo genio nunca será lo suficientemente valorado por aquellos de los que se burlaba, nosotros, los humanos... Pero no reúno fuerzas para estudiar y escribir lo que siento por esas obras. Sin embargo, hoy, después de ver un documental sobre un fantástico álbum de música editado en 1982: Rio, del portentoso grupo Duran Duran, salto de mi cama y tengo que, al menos, colocar el vídeo en mi cuaderno y publicitarlo para los que no lo conocen. No estaba equivocado, qué alegría, cuando, con unos 14 años de edad, años después de su publicación, sentí que The chauffeur, una de las canciones de este magnífico LP, es, por valores propios que están por encima de la belleza circunstancial de los miembros del grupo, una pieza musical de enorme calidad. No sólo ésta, sino también: Rio, New Religion, Hungry like the wolf, Save a prayer, todas ellas son fantásticas muestras de un paso adelante lleno de inteligencia, modernidad y estilo en el mundo de la música rock y pop, con un fantástico toque funky; qué gran combinación surgió de los teclados del ingenioso Nick Rhodes, la enérgica batería de Roger Taylor, el rápido bajo de John Taylor, la entusiasta guitarra de Andy Taylor y la armoniosa y popera voz de Simon Le Bon con este disco, Rio (1982), que ya algunas publicaciones colocan entre los más importantes de la historia de la música moderna; bueno, a estas calificaciones no hay que darles mucha importancia, pero sí a la música, esa que nos hace sentir de tan diferentes maneras que estamos vivos. 

Creo que la atracción de este documental está en ver a los miembros de Duran Duran explicar de una forma claramente apasionada cómo fue su trabajo en la realización del fantástico álbum Rio.

Esta música siempre me ha alegrado. Gracias, Duran Duran.

Portada del disco Rio (1982), del grupo Duran Duran

La portada de Rio es obra del dibujante Patrick Nagel. Su trabajo comenzaba con una fotografía a la que iba quitando detalles y simplificando hasta resaltar lo que él creía más importante. Nagel falleció en 1984 a la edad de 38 años, era conocido por sus ilustraciones en la revista Playboy. Si prestamos atención, podemos ver un cuadro con esta imagen en la película: Jacuzzi al pasado (Hot tub time machine, 2010).

Fotogramas del documental Classic Albums: Rio (2008)

Bob Geldof, recordadísimo músico irlandés que ayudó a recaudar dinero para Etiopía con sus proyectos: Band Aid (1985) y Live 8 (2005). Creador de la muy verdadera canción: I don't like mondays, dice sobre Duran Duran: "Eran y son unos chicos inteligentes, todo en ellos es correcto: su arte, estilo, moda y profundo conocimiento musical".

John Taylor, bajista de Duran Duran, sobre la línea de bajo de Rio: "Mi inspiración como bajista era Bernard Edwards, que tocaba en Chic,  muchos de sus acordes me enganchaban y esto me hacía querer tocar el bajo. Es un estilo sincopado, que era algo nuevo para mí, sobretodo porque había tocado en una banda de punk rock donde todo era más rígido, así que Rio reunía todas esas ideas del sincopado..."

Rupert Perry, vicepresidente de Capitol Records de 1976 a 1982, y presidente de EMI de 1982 a 1999: "Con esta combinación de la imagen que daban por separado, sus estilos al vestir, estos maravillosos vídeos, todo junto con esta maravillosa música ¿cómo no puedes ser feliz cuando escuchas la música de Duran Duran?"

Imágenes del concierto de Duran Duran Live at Hammersmith '82!

John Taylor, bajista y uno de los fundadores de Duran Duran. Hace poco ha publicado la historia de sus vivencias con el grupo: In the Pleasure Groove (2012). Las mujeres se volvían locas por él. En su gira de 1984 por los EEUU tenía que llevar encima una lista con la edad permitida en cada estado para tener sexo (es gracioso porque él cuenta que, al regresar a casa tras su primera gira, su padre aún no le dejaba ver ciertos programas de la televisión).

Nick Rhodes, teclista y uno de los fundadores de Duran Duran. Siempre asombra por su capacidad para crear melodías nuevas. Él y John son hijos únicos, desde los 10 y 12 años, respectivamente, son amigos, juntos aprendieron a tocar música.

 

Una seguidora de Duran Duran en 1982, los fans forman la parte más poderosa del grupo que resiste ya más de 30 años.

Andy Taylor, guitarrista original de la banda Duran Duran. El hombre derrochaba energía. Es lo que se dice: "un culo inquieto", pero simpático, el jodido. Sus riffs son muy enérgicos y aportaban el toque rock al conjunto.

 La banda Duran Duran al completo en 1982. Era todo color.

Simon Le Bon, cantante de Duran Duran. En gran parte gracias a su trabajo, lleno de pasión por la banda, el grupo se ha mantenido con vida y en plena forma durante más de tres décadas, a pesar de los muchos contratiempos.

Roger Taylor, batería original de Duran Duran, agobiado por la fama, dejó el grupo en 1985, pero regresó en 2003. Dicen de él que es muy sensible y que le costaba mucho soportar la tremenda presión de aquel éxito de dimensiones gigantescas que les llegó a mediados de los 80. Tras aquello, se retiró a una granja lejana de las colinas de Gloucestershire, en la que estuvo algunos años, el periódico Sun le llamó "el ermitaño del pop".

Concluyo: si quieres conocer algo más de la música moderna, revisa este álbum de Duran Duran, Rio (1982). No podemos quedarnos en las trasnochadas definiciones de música de New wave o que el grupo pertenece a los llamados New romantic, pues aquí hay mucho más que eso, hay una transformación de la música rock en algo moderno, salpicado de ritmo y también delicadeza, una fusión del funky (ritmo rápido de notas sincopadas), el pop (en este caso más electrónico) y el rock (de raíces británicas y también americanas) con resultados totalmente sorprendentes. No hay encasillamientos y no se desprecia ni lo negro ni lo blanco. Espero que te guste. Como muestra de su lado más sutil, dejo la canción The chauffeur en el video que la promocionaba en 1982:

Vídeo de la canción The chauffeur (1982)

Álbum Rio en distintos largometrajes

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Ménage à trois de Design for living (1933)

Fotogramas de la película Design for living (1933)

El largometraje Design for living (1933), que en España se tituló: Una mujer para dos, es un ejemplo de lo que podía contar el cine antes de que entrara en vigor el dichoso Código Hays en Hollywood. A las imágenes me remito, la alegre Miriam Hopkins besa a sus dos amantes en la ficción, interpretados por Fredric March y Gary Cooper, en un final de la historia que aún resulta más que moderno. ¿Cómo superar esas prohibiciones pudorosas de nuestra sociedad que tenemos en herencia? ¿Cómo hubiera sido el cine americano de no existir esas prohibiciones?

Como curiosidad, en esta cinta se nombra la película Tarzán de los monos (1932), que también puede hablarnos algo del simpático libertinaje del cine antes del Código Hays.

La cinta se estrenó en España en diciembre de 1934, antes de la Guerra Civil, pero ya en una convulsa situación del segundo bienio de la Segunda República.

Design for living primero fue una obra de teatro escrita por Noël Coward y estrenada en Broadway en 1932. Su adaptación al cine fue llevada a cabo por el genial Ernst Lubitsch. El argumento es sencillo: una joven está enamorada de dos hombres y no sabe cuál de ellos elegir. Lo platónico se confunde con lo carnal.

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