La cartelera comentada. Semana 22 de 2013

Cuenta la historia del cine que al genial actor Harold Lloyd le faltaban dos dedos de su mano derecha y por eso llevaba siempre guantes, uno de ellos con dos dedos artificiales. En 1919, Lloyd había perdido esos dedos en una explosión que le aconteció, como no podría ser de otra forma, rodando una de sus acostumbradas secuencias de riesgo. Si fue o no una bomba real en vez de una de mentira la que voló sus dedos y le hizo perder la vista durante varios meses es algo tan misterioso como sorprendente resulta saber que Lloyd se quedara años después colgando de las agujas de un reloj por sólo una de sus manos, a la que, además, faltaban los dedos índice y pulgar. Lloyd inventó mucho cine, amigos, mucho cine cómico. El hombre mosca (1923) es una maravilla de este arte del que hablamos. Esa película sirvió para que el mismo Charles Chaplin quisiera superarse a sí mismo tras visionarla. De esa competencia entre estos astros pronto surgirían nuevas obras maestras del cine cómico. Y ahora, tras esta acostumbrada introducción cinematográfica, estudiemos juntos la cartelera de la semana:

Fin de semana del 31 de mayo al 2 de junio de 2013

Fotograma del anuncio de la película R3sacón (2013)

R3sacón (2013). El director Todd Phillips, autor de otras comedias estúpidas como Road Trip (2000) o Resacón en las Vegas (2009), que convierten el género de road movie (cine de carretera, basado en episodios que acaecen en un viaje) en una sucesión de burradas sin gracia, vuelve con otra muestra de cine estúpido para público ídem o, al menos, poco exigente en cuanto a la calidad de un guión pretendidamente humorista. Llego a entender que un adolescente de hoy encuentre algo gracioso en ver a un asiático tirándose en paracaídas desde un edificio mientras grita que adora la cocaína, tal vez porque detrás del humor está siempre un tabú (algo que la sociedad esconde), ¿pero seguirá haciéndole gracia una memez como esa cuando tenga 40 años? Apostaría que a la mayoría no. Es curioso el parecido entre los actores Ryan Dunn (que murió en accidente de tráfico en 2011) y Zach Galifianakis, uno de los pésimos intérpretes de esta extraña y gamberra comedia. Este cine no requiere más estudio, carece de innovación, su humor es burdo y la resolución de la historia es de traca. La broma sobre la jirafa en la autopista no me hizo ninguna gracia.

Fotograma del anuncio de la película Hijo de Caín (2013)

Hijo de Caín (2013). Es bueno que el cine experimente y se arriesgue, pero hay que tenerle respeto al ridículo, a poder caer en algo que nos de un poco de vergüenza ajena. Esto es complicadísimo, por eso se sigue hablando hoy en día de Alfred Hitchcock, era un genio de alturas, no estaba ahí gracias a la ayuda de nadie más que la de su valía. Aplaudo, sin embargo, a Jesús Monllaó Plana, director de cortos que salta al largo con pretensión y que, quizá, se ha quedado a medio camino de conseguir lo que buscaba: causar mucha desazón en el público. Sobre José Coronado tengo que decir que es un ejemplo de que, con trabajo y bastantes años de esforzarse, un mal actor puede convertirse en un excelente intérprete, hay una gran distancia desde sus primeros papeles, allá en Yo soy esa (1990) y los últimos, como No habrá paz para los malvados (2011), pero esto ya lo sabe él, no hay sorpresas. Este thriller psicológico en torno al ajedrez y a un hijo de psiquis complicada, a pesar de los fallos de guión que muchos parecemos encontrarle, hay que verlo, es una película para que los críticos la analicen y comparen con lo que saben o creen saber. Como curiosidad, la cinta fue rodada en catalán, y, para la versión en castellano, han doblado al actor que hace de hijo, David Solans, con una voz que no es la suya.

Fotograma subtitulado del anuncio del documental De qué va la vida (2013)

De qué va la vida (2013). Es un documental. La pregunta que lanza al aire es una grande y tal vez es bueno entrar a una sala de cine para atender a las respuestas que dan múltiples personajes sobre ella. Sacude el espíritu saber que hay personas que piensan que la Virgen de su región es lo más grande del mundo, por ejemplo, cuando la Tierra tiene cientos de Vírgenes a las que rezan millones de personas. Sacude el espíritu cualquier cosa que pensemos sobre la utilidad de la vida, de procrear y de morir. Creo que Dios no puede existir por sí solo, necesita que alguien lo imagine; en un planeta sin vida no hay Dios porque nadie lo puede imaginar, por tanto: Dios no existe, es incapaz de existir por sí solo. Pero eso es lo que yo creo, hay miles de opiniones distintas. Este documental parece más un producto televisivo, por otra parte, le faltan imágenes sorprendentes de nuestra naturaleza, de los árboles, los bosques, los mares...

La advertencia de la semana es la canadiense Mi gran aventura sexual (2012), pues es tan mediocre como presumimos a primera vista. Queriendo ser una comedia romántica se queda en una tontería extendida durante 90 casi insoportables minutos. Un chico quiere reconquistar a su ex apuntándose a clases sexuales de una autodenominada Maestra Yoda Sexual: para salir corriendo y no parar hasta llegar a Alburquerque, donde debió torcer Bugs Bunny.

Esta semana no hay recomendación. Ninguna película es sobresaliente o yo no he sabido ver su validez para recomendarla.

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Libros para niños, adolescentes y adultos

Cosas que pienso a pesar de todo (II)

En el programa Negro sobre blanco de RTVE, el escritor Fernando Sánchez Dragó en su entrevista al poeta maldito Leopoldo María Panero comete los errores de casi siempre, enuncia una pregunta y cuando el entrevistado comienza a dar su respuesta le interrumpe para añadir más sustancia a la cuestión. Atropella al entrevistado, no le deja expresarse con la libertad que da el silencio del que debe escuchar. Luego también parece que le importa poco lo que cuenta Leopoldo, hombre sumido en una ausencia discontinua, internado por voluntad propia en un manicomio; pero aquí, cuando habla el poeta, a ninguno parece interesarle buscar significados a lo que dice. Me pareció reprobable la conducta de Dragó frente a Leopoldo. Ellos, los que allí participan, el director de cine  Jaime Chávarri (autor de la cinta El desencanto, 1976, que trata de la familia Panero), el también escritor, y biógrafo de Leopoldo, José Benito Fernández Domínguez y Dragó, tienen más interés en la figura como espectáculo o rareza de Leopoldo que en su pensamiento, éste realmente curioso e interesante, que tiene Panero antes y después de su alienación. Podemos ver el vídeo aquí: Negro sobre blanco. Leopoldo María Panero. También podemos saber más de Leopoldo María Panero leyendo el siguiente cuaderno: Aula de Filosofía Chávarri: El desencanto (1976).

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Cuando el escritor Juan Marsé (autor de importantes novelas como Últimas tardes con Teresa, La muchacha de las bragas de oro, Rabos de lagartija...) se queja de que el cine no ha sabido adaptar bien sus novelas y que aquí, en España, no hay ningún Hitchcock para dirigirlas como se debe, a lo que contesta uno de los directores, adaptadores de su lenguaje novelístico al cinematográfico, Vicente Aranda, que en España tampoco hay un Balzac o un Flaubert, los dos tienen razón si hablamos del panorama actual, pero lo que no valora Marsé, que enfurece pronto por este asunto, es que muchos lectores de varias generaciones le llegaron a conocer por la propaganda que le hizo el cine: El embrujo de Shangai (2002), por ejemplo, o la dichosa Muchacha de las bragas de oro (1979), le hicieron una publicidad enorme, esas cosas no tienen que despreciarse, de eso come el autor, qué más hubiera querido algún escritor de los muchos que murieron en la penuria más absoluta que haber tenido ese pregón que es el cine anunciando su obra. Hay que estar más agradecido, por vida de...
Podemos leer las declaraciones de Aranda y Marsé en estos sitios de la Red:
El Mundo, Vicente Aranda arremete contra Marsé y el talento de los novelistas; El Cultural.es, El problema del cine español no es la piratería sino la falta de talento.

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El escritor de literatura infantil y juvenil (llamada LIJ por los expertos) Alfredo Gómez Cerdá se queja de que le pongan la etiqueta de eso precisamente: autor de LIJ. La explicación para este fenómeno de etiquetas es bien sencilla: hay cientos de escritores en esta nación, miles en el mundo, por lo tanto, la memoria del lector, limitada a lo humano, es incapaz de recordar a todos, y encima sus capacidades. Para poder llevar una cuenta de los autores que vamos conociendo, recurrimos a las etiquetas. Por ejemplo: Camilo José Cela, Nobel que escribió La familia de Pascual Duarte; Nietzsche, gran filósofo que enloqueció tras escribir importantes obras filosóficas como Así habló Zarathustra... Todos recuerdan que Pirandello escribió El difunto Matías Pascal, pero pocos saben que escribió también la estupenda obra de teatro Seis personajes en busca de autor. Esas segundas obras o capacidades, que desconocemos los que no nos adentramos en la obra y arte de un autor, no nos las perdemos por otra cosa que no sea la imposibilidad memorística y racional de saber mucho sobre cientos de autores. Por lo tanto, recurrimos a etiquetas. Paciencia, que sois muchos.

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Susurrar una palabra al oído

Cartel de la película The sacrifice (Offret, de Tarkovsky, 1986)

La pequeña ilusión mía puesta en este cuaderno es la de susurrar alguna palabra al oído. De entre todas las que escribo, tiene que haber una que quede como un susurro en tu mente. No soy un pretencioso, antes alguien me susurró palabras a mí, a lo largo de los años, una vez en un programa de televisión que hablaba de cine, otra vez en una revista que contaba la vida de los actores, recuerdo una buena amiga que me enseñó a querer a los árboles, un amigo que me explica con facilidad asuntos filosóficos, muchos libros que dejan una semilla en mi interior que acaba germinando a veces a los años de acogerla... Esas palabras susurradas hablan de amor, de amor por las letras, por las historias de los demás, pero también hablan del amor necesario para superar las durezas de la vida, de la mierda que pisas una y otra vez casi a diario y te limpias y mañana vuelves a pisarla. De saber sentir el dolor ajeno, de saber sobrellevarlo, pero no sólo contemplativamente, sino con amor.

Las palabras susurradas no las elijo yo, las elige el azar.

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La cartelera comentada. Semana 21 de 2013

Contaba Guillermo Cabrera Infante, buen crítico y gran novelista cubano, que su actor de cine favorito era Edward G. Robinson. En esa ocasión, el entrevistador le comentó que él se parecía mucho con aquel actor, que recordamos por aquellas películas de gansters suyas como Hampa dorada (1931). Cabrera Infante le replicó con toda naturalidad: “Eso me lo dijo su viuda”. Y es que, ciertamente, su parecido con el actor americano era bastante razonable. Aquello me llevó a pensar que cuando decidimos alguna vez elegir a un actor favorito, tal vez lo hacemos porque nos recuerda en algo a nosotros mismos, por ejemplo: el actor favorito del público de los años 50 fue John Wayne, un hombre que podía pasar por irlandés, norteamericano, italiano, ruso… Su cara era universal, se parecía a cualquier hombre que podemos ver salir del bar de la esquina de nuestra calle, vivamos donde vivamos, casi. Bien, después de esta introducción, para algunos tal vez algo desconcertante, aquí va parte de la cartelera de esta semana. Espero que os resulte útil:

Fin de semana del 24 al 26 de mayo de 2013

Fotograma del largometraje El gran Gatby (2013)

El gran Gastby (2013), o la manera de irritar a los que disfrutamos con la música jazz de los locos años 20 del siglo XX. Para los que queremos que las cosas estén en el sitio que les corresponde, este largometraje se hace insoportable, incluso con todo su artificio y bullicio añadidos, colores que se disparan por todos los lados de la pantalla. En fin, copio lo que ya dije de ella el año pasado: Para la nueva adaptación cinematográfica (y ya van 5) de El gran Gastby, novela escrita por F. Scott Fitzgerald en 1925, se ha elegido como director al caprichoso y disparatado Baz Luhrmann, que de nuevo coloca un montón de canciones modernas en una historia ambientada hace muchísimos años. Este idiota, al que nadie parece querer pararle los pies, desprecia la alegre música de los locos años 20, con sus estupendas bandas de jazz, y rellena el filme con pop y rock electrónicos. De buena gana imagino a las musas dando patadas a este necio de Baz Luhrmann. Cretino, director cabezudo, si la novela retrataba la esplendorosa era de jazz en los EEUU, zopenco. ¡Que los dioses castiguen el quebranto que procuras al arte! Detrás de este despropósito están las buenas actuaciones de los dos actores principales, Leonardo DiCaprio y Carey Mulligan, y la historia de amor de sus dos personajes. La película quizá guste a algún despistado que no sepa nada de jazz ni lo que significó una época de lujo, esplendor y desmesura que precedió a la gran banca rota en los EEUU. Tras la fiesta llegó la pobreza y el desempleo producidos por el Crack de la Bolsa en 1929.

Anuncio original de la película Kauwboy (2012)

Kauwboy (2012) es una película holandesa dirigida por Boudewijn Koole que se estrena por fin en España. Aunque Koole ya había dirigido un documental y varios telefilmes en su país, es la primera vez que tenemos muestra de su arte en las pantallas de nuestros cines. Este pequeño drama está contado con mucha sencillez y constituye una excusa muy buena para ir al cine con un hijo, un sobrino o un hermano pequeño; si no tuviéramos ninguno de estos acompañantes de cuello corto, no importa, vamos al cine y probamos un rato el azúcar que nos deja en el paladar Jojo y la relación que tiene con su nuevo amigo el grajo. El padre gruñón y la imagen ausente de su madre (una cantante que nunca está en casa) rellenan un drama que nos trae algunos recuerdos de nuestra niñez: la relación con nuestro padre y los momentos tan lejanos ya con nuestros compañeros de escuela. La cinta contiene algunas secuencias entrañables rodadas de una forma muy especial y sensitiva. No gustará al público amaestrado por el cine moderno, éste de cientos de tomas en pocos minutos, tampoco terminará de cumplir las expectativas de personas que encuentran la historia, de entrada, como algo que ya han visto en otras ocasiones, pero esto es normal, no hay razón para asombrarse.

Póster con el anuncio del día del estreno de Fast and furious 6

Arriba vemos a los intelectuales que forman el grupo de rápidos y furiosos.

Fast and Furious 6. ¿Necesito decirlo? La película gustará a kinkis y a aspirantes de kinkis. Definimos el término kinki: individuo atontado que gusta de ponerse una gorra con visera cuando está en el interior de su coche; que piensa que la carretera es una pista de Scalextric, pero en grande. Por extensión, kinki es cualquier moderno con aspiraciones de pandillero que nunca se cuestiona por qué no conviene escupir o mear delante de donde uno se sienta a charlar con los amigos. Hace unos 12 años, cuando vi la primera de esta serie, al salir del cine algunos muchachos que habían asistido a la sesión aquella de coches rápidos y disparates varios se pusieron al volante de sus automóviles y salieron disparados quemando rueda y haciendo el ganso en una y otra dirección. Aquello me dio poco que pensar: la imitación del primate no aspirante a homo sapiens es así, no hay vuelta de hoja. La película contiene un montaje para necios, con miles de planos que se empatan en una sucesión monótona y agobiante. Otros ingredientes son: los consabidos destrozos en una autopista (esta vez una del sur de Tenerife) y los cuatro gorilas hormonados junto a las cuatro chicas que toman una lechuga para almorzar y se ayudan de un kilo de silicona para mantener las curvas que Marilyn Monroe tenía por naturaleza. La trama, al nivel del intelecto de su audiencia más pertinaz, es de todo a cien: un grupo de fugitivos de la ley accede a participar en una misión a cambio de que a sus miembros se les indulten todos los crímenes que acumulaban. De pena, ni un muchacho de 9 años llega a tal discurrimiento.

Extracto del programa Días de cine de RTVE sobre la película Chaika (2012)

Días de cine: 'Chaika'

                                                                                                       Días de cine: 'Chaika'

Chaika (2012) es una interesante coproducción entre España, Georgia y Rusia. Viajamos con ella a unos parajes extraños y desérticos en una historia más extraña aún: la joven Chaika está durante 6 meses en un barco, prostituyéndose para unos marineros, lo que sigue después es una experiencia sensorial muy desconcertante y misteriosa. La cinta parece hablarnos de ese anhelo de una libertad que todos deseamos y buscamos. Es un filme más que recomendable, que debería convertirse por sus valores en una obra de culto. Apuntamos el nombre del director Miguel Ángel Jiménez.


La recomendación de la semana es Chaika (2012), por constituir un cine diferente que nos habla de un mundo que, en el fondo y por desolador, no es tan diferente. Hay que estar muy atentos al significado de sus frases.

Las advertencias de la semana son dos: The lords of Salem (2012), una gorrinada camuflada como cine de terror, para dementes, no sé hasta qué punto el gusto por este cine no es síntoma de tener que recibir tratamiento psiquiátrico. A ver si nos enteramos de una vez: los aquelarres en que mujeres y hombres bailaban al ritmo de un macho cabrío no eran más que reuniones para obtener placer sexual, asunto ese tan prohibido por las sociedades de casi cualquier época; no tenían nada que ver con estas tonterías de sangre y tortura. Y Marea letal (2013), una película con tintes de documental sobre tiburones, que algunos usan como excusa para ver a Hale Berry en bañador. La pobre Berry no termina de encontrar un buen papel adecuado a su talento.

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¡He clonado a un gato!

Foto de la madre del gato clonado junto a éste

He conseguido clonar a un gato. No ha sido una empresa sencilla, he de confesarlo, hay que echarle mucha paciencia. Primero, puse a la gata en cuestión en una huerta, cosa que no ha dejado de agradarla, luego tuve que esperar a que viniera un gato macho y saludable, y, lo que tiene mayor intríngulis, que la seleccionara como querida o amante de una sola noche. Bueno, lo que vino después fue a ser más espera. A los 60 días me apareció la gata con 4 ó 5 gatitos, y aquí llegó la labor importante: tuve que seleccionar a uno que fuera idéntico a ella. ¡Vualá, gato clonado!

Este laborioso proceso tiene un fin y es destinar su utilidad para el bien de los que más aportan a este mundo: los ricos, esos seres que se desviven por acumular fortunas, tan necesarias esas para la economía de un país. Por lo tanto, este procedimiento sólo estará disponible para aquellos que sean ricos. Cuando al gato de un rico le duela la barriga o tenga una luxación de tobillo, yo le daré el cambiazo por su clon y santas pascuas, el rico podrá continuar con sus momentos libres, de placer con su gato (en los que no está contando dinero o calculando beneficios), viéndole comer saludablemente mientras le acaricia la cocorota y le hace ruiditos con la boca. Excuso decir que este servicio no está disponible, por lo elevado de su costo, para personas pobres. Aquellos pobres que tengan un gato enfermo, que lo cambien por otro, que para cazar sus ratones pobres cualquier gato es bueno.

Espero las felicitaciones oportunas por este gran hallazgo de la clonación gatuna.

Foto de la camada de gatos antes de la selección

Como podemos ver arriba, el procedimiento que me llevó a conseguir clonar a un gato es trabajoso y requiere sus costes.



Amigos, esto solamente es una broma. Se me ha ocurrido después de leer en los periódicos de la Red que hay científicos estudiando cómo clonar a personas. Seguramente ése será un servicio más sólo disponible para ricos.

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Te invito a visitar mis cuadernos en la Red:

Aprende Inglés en tres años (está en construcción y ya tiene varias lecciones),

El periódico más breve (dedicado al cine, la televisión, el teatro, los libros...),

El cuaderno de Héctor y sus libros (sobre los libros que he publicado en Amazon),

Tina Majorino (dedicado a la joven actriz. Su primera publicación fue en Lycos, en 2003).

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Libros para niños, adolescentes y adultos

El perro y su madre divina

Algunos de los perros de Ente

El perro es feliz y juega alegremente con poca cosa que se le preste en su infancia. El perro crece enamorándose del amo. El perro llega a edad adulta, después de ver las durezas de la vida, más triste; su dueño es para él su único consuelo, su pequeño Dios: vive dependiendo de una caricia suya, de una atención, por pequeña que sea. Me dan pena los perros cuando se acercan a mí buscando una caricia, me ven como su eterna madre, su Dios fallido.

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Cosas que pienso a pesar de todo

El tiempo no sólo destruye a los muertos sino también a los vivos. Los niños nunca volverán a ser tan felices como parecen serlo ahora.

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La vida se parece más al teatro y a la novela que éstos a la vida. En la vida todos hacemos un papel distinto frente a los personajes que nos encontramos por ahí, no somos el mismo con nuestra abuela que frente a nuestro padre, nuestro jefe o nuestros hijos. La verdad, por tanto, está en la novela y en el teatro.

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Warm bodies (2013), absurdamente titulada en España: Mi novio es un zombie, parecía, en su comienzo, una alegoría de nuestra sociedad alienada, pero no, es tan sólo otra versión más de la historia de amor imposible entre Romeo y Julieta. Me dan asco las películas de zombies, paren ya, por favor.

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Dice el escritor Enrique Vila-Matas que, al formarse como escritor, eligió ser universal y dirigirse al camino de los escritores franceses, latinoamericanos, etc., desdeñando el estilo de Camilo José Cela y los anteriores españoles, Torrente Ballester, entre otros. Bueno, estimado Vila-Matas, si usted busca lo universal, no puede esquivar lo español, pues también pertenece lo nuestro al universo de las letras. El nacionalismo pone una venda incluso en los ojos de los más sensibles. Todos escribimos la misma novela, unos bien, otros mal. Su declaración me resultaría aceptable si no incluyera los términos: universal y español; sería mejor recibida si sólo citara los nombres de sus autores predilectos. Qué cruz, vivir en un país tan dividido. Particularmente, prefiero a Camilo José Cela y a su La familia de Pascual Duarte (1942), y aún me parece más moderna que cualquier novela de Vila-Matas, pues Cela narra la cruel historia de un asesino y no se detiene jamás a dar un juicio de autor de lo que ocurre, cosa que Matas no deja de hacer: a todas páginas entra en opinar ésto o lo otro, sobre un taxista lo mismo que sobre cualquier otro personaje, como un hijo que por allí pasea. Cela tiene mayor maestría en tal asunto y merece para mí más estudio literario. Esto de disparar a los maestros me parece natural por aquello de matar a los padres, en el sentido freudiano, pero no deja nunca de molestarme en el caso de un escritor al que aprecio por su obra. No, Matas, no, estás equivocado, Cela es universal

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La novela Historia de un idiota contada por él mismo, de Félix de Azúa, no me gustó. La encuentro fragmentada, como si le faltaran partes. La narración salta de un asunto a otro sin una cohesión seria o creíble, resulta artificial. Como novela carece de un estilo elegante, como experimento contiene dos o tres perlas, que tampoco abundan. Como ideario tampoco es gran cosa, ofrece lo que ya está muy manido. En 1986 su asunto ya me parecía trillado. Claro está que, a la vista de las buenas críticas que recibe aquí y allá, me quedo entristecido de no poder descubrir tales bondades que los otros alaban en esta obra, como crítico literario estoy lejos de hacer carrera. Una novela puede estar rota como Tristam Shandy, de Sterne, pero no tiene por ello que resultar descalabradamente idiota; diga usted que eso es un ensayo, pero no que es una novela.

Hay cosas que se tienen que decir, aunque uno esté equivocado.

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Admiro a Guillermo Cabrera Infante por sus novelas, reflejos vivos de una Cuba que otros quieren tapar, y por su labor en la crítica cinematográfica, siempre atenta al más mínimo detalle. Fue un maestro. Ojalá le hubiéramos tenido más en RTVE y, por supuesto, en este mundo.

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Roberto Bolaño es un estímulo para los escritores jóvenes porque murió sacrificado por su escritura, imparable, no cesaba de crear, de luchar por conseguir publicar; las editoriales le negaban una y otra vez el placer de ver su obra encuadernada y a la venta, pero, al final, lo consiguió. Esa es su fuerza para los jóvenes. Bolaño escribía como si te estuviera contando una historia en un bar, lea usted el cuento Sensini como muestra. Bolaño te hace pensar en lo difícil que es saber si una obra es buena o mala, su simpleza está cuestionada por muchos. Bolaño sabía que su obra no resistiría 100 años, pero necesitaba escribir. No sé si seguirá hablándose de Bolaño en siquiera 50 años, pero sí creo que representa por sí solo a todos los escritores que escriben y escriben, aunque no publiquen nada, porque eso es lo que quieren hacer. A pesar de todo, es un pensador inteligente y su lectura es bien merecida.

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Despedida sin cierre

Me voy, no me llevo este cuaderno conmigo, después de pensarlo mucho, pues aún tengo la ilusión de que algún artículo de por aquí sirva para que a alguien se le despierte el interés por el cine que mantiene vivos nuestros sentimientos, tipo: Los 400 golpes (1959), Corazones solitarios (1958), Naves silenciosas (también conocida como Naves misteriosas, 1972)... O que decida, de pronto, que la serie Cosmos (1980) contiene unos documentales fenomenales y que Wonders of the universe (2011) es un buen continuador de aquel espíritu del añorado Carl Sagan. Tampoco me puedo ir sin recomendar la serie The twilight zone (1959-1964), por su valor para hablarnos de finales pesimistas en un mundo en el que casi todos creen que el destino les tiene reservado algo magnífico.

Como ocurre muy a menudo, esto no lo leerá nadie, bueno, pero, por si las moscas, y por aquello de la educación: adiós y suerte. Muchas gracias a los que comentaron algún artículo sin insultarme.

Dejo una de mis piezas musicales favoritas como despedida: el Canon en Re Mayor de Johann Pachelbel, que suena también en el comienzo de una buena película, Volver a empezar (1982), de José Luis Garci:

Algunas de las mejores entrevistas del gran periodista Joaquín Soler Serrano

Emocionado por la alegría que me trae este descubrimiento en la Red, dejo aquí algunas de las entrevistas que realizó para la televisión española, RTVE, el periodista Joaquín Soler Serrano, hombre culto y gran orador. En estos documentos de vídeo vemos al maestro de la elocuencia indagar en el interior de la obra y pensamientos de algunos de los más grandes escritores que hemos gozado los amigos de la Literatura: Miguel Delibes, Jorge Luis Borges, Ernesto Sábato, Ramón J. Sender, Camilo José Cela, Julio Cortázar, Juan Rulfo, Octavio Paz, Juan Carlos Onetti, Antonio Buero Vallejo... 

Quién le iba a decir a Joaquín Soler Serrano que, unos cuarenta años después de grabar sus entrevistas, miles de personas en el planeta, uruguayos, argentinos, españoles, cubanos, de cualquier nacionalidad en fin, darían con ellas en una gran Red donde podemos disfrutar de las voces de los maestros: Cabrera Infante, Alejo Carpentier, Josep Pla, Dámaso Alonso y algunos más, entre los que están los que cité primeramente. Muchos son los que agradecen conocer al Borges que habla del Borges que escribe, o que se alegran al encontrar que Camilo José Cela es, después de todo, un hombre cordial y entrañable.

El interés de visionar estas entrevistas es enorme, no sólo porque haciéndolo aprenderemos mucho sobre cada una de las obras que encumbraron a estos autores, sino porque son ellos mismos los que nos cuentan su sufrida historia, no me refiero sólo a la que imaginaron o construyeron como interpretación de una realidad, estoy hablando también de los sufrimientos que pasaron en vida, ellos no se quejan por vivir en una sociedad que no ofrece trabajo, como hacen hoy los vendedores de bestsellers, no, ellos superaron mil y una dificultades más terribles que esta nuestra, de los niños  que crecieron con la nevera llena y que publican en la Red sus penas, no, algunos de ellos vivieron una Guerra Civil, otros se criaron compartiendo el sarampión con sus 10 hermanos, los hay que casi mueren de frío en un campo de prisioneros, como le ocurrió a Antonio Buero Vallejo, que de no haber allí un hombre que compartió su manta con él la hubiera palmado por el terrible frío de la noche y no hubiéramos sabido nunca de su Historia de una escalera o de su Fundación, la realidad de estos hombres es más grande de lo que cualquiera pudiera escribir, escuchémosles, no despreciemos su existencia, que su vida no haya sido en vano, ellos retrataron al "otro" de años pasados.

Curiosísima es la forma en que nacieron los cronopios en la mente de Julio Cortázar, la forma en que nos cuenta cómo su madre desconfió de su capacidad creadora cuando él era un niño, o el pequeño suceso en su vida que sirve para ilustrarnos un tanto sobre su sentimiento de lo fantástico: cuando vio una línea que continuaba insistentemente en el interior de unas reproducciones de cuadros, postales, dibujos, etc., apiñados en la pared desde el techo hasta lo más bajo...

 

Un año después, descubro que todos los vídeos de arriba han sido eliminados de la plataforma de YouTube. Una pena, realmente es triste que no podamos tener acceso a estas piezas de arte que son las entrevistas de Joaquín Soler Serrano a los grandes escritores del siglo XX en lengua castellana. 

Actualización: He descubierto que podemos ver todas estas entrevistas del programa A fondo de RTVE en su sitio de la Red: http://www.rtve.es/alacarta/videos/a-fondo/fondo-antonio-buero-vallejo/2798559/. La entrevista al genial dramaturgo Antonio Buero Vallejo está, junto a otras muchas, en ese archivo.

Mis reseñas sobre Literatura Clásica

Si estás interesado en la Literatura Clásica, te invito a leer algunas de las reseñas que he escrito sobre ciertas obras que principian este arte o participan de la grandeza que es la escritura.

Haciendo un click sobre cada imagen accederás a la reseña en cuestión:

Para La Odisea, atribuida a Homero:

Para Edipo Rey, de Sófocles:

Para Satiricón, de Petronio:

Para el Cantar de Mio Cid:

 Para la Divina Comedia, de Dante:

Para El paraíso perdido, de John Milton:

Días de cine: Homenaje a Marcel Carné

Me gustaría recomendar el pequeño homenaje que ha hecho el programa de RTVE, Días de cine, al director francés Marcel Carné, que podemos ver en su página de la Red, desde donde sus creadores me permiten copiar el vídeo para colocarlo aquí:

Días de cine: Homenaje a Marcel Carné

                                                                                     Días de cine: Homenaje a Marcel Carné

Estimo que todos los que queramos saber más de este arte cinematográfico tenemos que visionar con detenimiento programas como este que anuncio aquí. Es muy instructivo; en este caso, nos ayuda a entender la importancia de los escenarios, el guión, las imágenes y los movimientos de cámara en el cine. Conozcamos juntos algo más del largometraje Los niños del paraíso (1945), tal vez la mejor película del cine francés. 

 
Agradezco todas sus enseñanzas al programa que tiene nuestro Ente Público en España dedicado al cine, con el que hemos aprendido mucho de ese arte los espectadores de aquí, desde que se llamaba De película y era presentado por Isabel Mestres y dirigido por José Luis Gutiérrez, que luego daría paso a Días de cine, presentado y dirigido por el ya jubilado Antonio Gasset, al que echamos de menos, sin duda. Sus continuadores mantienen la esencia del programa, el cariño y la entrega al cine y sus significados. Muchísimas gracias por vuestra incansable labor.

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El crítico de cine y la devaluación de su imagen

Cuando nos enfrentamos a la tarea de hacer crítica cinematográfica podemos tomar distintas posturas ante la obra, hacerlo con miradas al guión, a la imagen en general, al lenguaje cinematográfico que usa, a la filosofía que emana de sus mensajes, a la psicología de los personajes que pululan en ella, al uso de la música en la cinta en cuestión que analizamos, a los antecedentes profesionales del equipo que trabajó en su realización, al momento histórico en el que viven sus protagonistas, pero, por favor, no nos tomemos este trabajo a cachondeo, no lo banalicemos, es una tarea seria. Pondré un ejemplo sencillo: no podemos decir que Independence day (1996) es una película mala argumentando que es una fantasmada, no, eso es de  una chabacanería terrible. Además, tal valoración es errónea, la película de Roland Emmerich usa un excelente lenguaje cinematográfico, la presentación de sus personajes roza la perfección (es del estilo de cualquier novela de aventuras, La isla del Tesoro, de Stevenson, o La isla misteriosa, de Verne), sólo ocurre que exagera con la fantasía y que su historia está destinada completamente al entretenimiento y al engrandecimiento de la nación que mejor hace cine para la diversión, pero eso no la convierte directamente en un ejemplo de mal cine. Cuando empecé a leer crítica cinematográfica, allá por la década de los 80, se usaban varios directores como ejemplos de buen cine (con sus características diferenciadas), me gustaría que echáramos una mirada al pasado para aprender algo juntos:

John Ford, especialista en westerns, el rey de los paisajes, que, con pocas imágenes y un escaso diálogo, definía los personajes con gran efectividad; algunas de sus recomendables películas son: La diligencia (1939), Las uvas de la ira (1940), El hombre tranquilo (1952) y Centauros del desierto (1956). Opino que cualquiera que desee realizar una crítica sobre un largometraje atendiendo a la técnica que usa, tiene que visionar y estudiar con detenimiento el citado en primer lugar: La diligencia (1939), la forma en que presenta a los personajes, sabemos de qué pasta están hechos gracias a la maestría de Ford para componer su retrato en un plis-plas. Desgraciadamente, el cine de Ford carece de una esencia filosófica profunda, a menudo los problemas en sus historias se resuelven a puñetazos, y, por otra parte, se le acusa de racismo por mostrar sólo el lado más salvaje de los indios, por ejemplo. A pesar de esto, su estudio es fundamental para entender el lenguaje cinematográfico en uno de sus mejores usos.

Howard Hawks es, puedo afirmarlo con alegría, uno de los mejores directores de cine de la historia. Un deber de todo cinéfilo es ver La fiera de mi niña (Bringing up baby, 1938), la mejor comedia rodada hasta el día de hoy, la madre de todas las comedias del cine. Un absoluto fracaso en taquilla en su época, incomprendida, demasiado moderna para su tiempo, valoradísima luego por críticos y directores como François Truffaut y Jean-Luc Godard. Recordemos que después de ésta a Katharine Hepburn se la consideraba “veneno para la taquilla”. Pero Hawks era pura magia: Sólo los ángeles tienen alas (1939), la mejor película sobre aviadores; Río Rojo (1948), un viaje con vaqueros por el desierto americano, con Montgomery Clift y John Wayne de protagonistas, parecerá que has ido con ellos en noches y días de duro trabajo llevando miles de cabezas de ganado de Texas a Misuri; Río Bravo (1959), obra maestra del western, en la que los personajes se enfrentan a la muerte y, lo que es más duro a veces, a la misma vida. Incluso tras ver una historia cargada de patriotismo y estereotipos, como es Sargento York (1941), sales maravillado del cine (tu saloncito particular) después de contemplar la manera tan bella en que presenta las recompensas que recibe York de la vida, mujer y reconocimiento en tan espléndidos planos que valoras la fábula como el sueño de una aventura que podría haberle ocurrido a alguien, aunque sabes que está basada en hechos reales aquello no deja de ser para ti algo más que un cuento bien narrado.

Alfred Hitchcock era un sádico incorregible, disfrutaba haciendo sufrir al público, le hacía conocer una terrible realidad (le robaba la sorpresa), pero le daba largos minutos de agonía (el tan nombrado suspense) esperando el momento en que ocurriría lo que se sabía habría de ocurrir: un niño en Sabotaje (1936) que lleva por la calle una bomba en unos paquetes con rollos de cintas para el cine; el pequeño no sabe lo de la bomba, el público, ah, desgraciado, lo sabe desde el principio. Hitchcock era un virtuoso del lenguaje cinematográfico, podía hacer parecer que toda una película estaba rodada en una única toma: La soga (1948), pero un deber de todos nosotros es aprender a valorar el diálogo y la imagen que nos presenta un director inteligente: Con la muerte en los talones (1959) o Vértigo (1958) forman parte de ese ejercicio que debemos hacer los amigos de la crítica cinematográfica. Psicosis (1960) es un ritual para el examen más minucioso que podamos realizar: dónde coloca la cámara, cómo realiza el montaje, qué enfatiza más y a qué cosas parece restarle importancia el maestro, cómo nos engaña una y otra vez. ¿Es el dinero lo importante? No lo creo, lo importante es sobrevivir a la vida.

Billy Wilder, ¿cómo explicar a un principiante de hoy en día —que lo ha visto todo en el cine, dentro de las mayores de las libertades—, lo que significaba la maestría de Wilder para hablar de temas tabúes con una fina ironía y un inteligentísimo guión sin que los censores le cortaran lo rodado. Entender hoy El apartamento (1960) es difícil hasta para los amigos entrenados en la valoración de lo oculto, la lucha por burlar a la censura: estamos hablando de un sitio para la seducción, el rincón del hombre que quiere hacer el amor. Con faldas y a lo loco (1959), la juventud de los 60 se partía de risa en las salas de cine con esta historia de músicos que tuvieron que travestirse para escapar de unos gangsters. Un deber de todo amigo de este arte es: El crepúsculo de los dioses (1950), o lo que es lo mismo: el relato de la caída de una diosa del cine, todo lo contrario a una comedia, Wilder tiene para Hollywood una mirada aguda, luego nos devuelve su visión con tonos crudos, al fin y al cabo es humano lo que retrata, las estrellas, al envejecer, no son en realidad dioses.

Otros deberes de todo amigo aprendiz de la crítica cinematográfica son:

Cecil B. DeMille, Sansón y Dalila (1949), un gran espectáculo, de una épica trepidante, para mí es tan recomendable como Los diez mandamientos (1956), para la que nuestros abuelos (los más afortunados) hicieron colas en los cines de nuestros pueblos y ciudades. Aunque sea para saber lo que era un espectáculo para ellos.  

F.W. Murnau, Nosferatu el vampiro (1922), el expresionismo en imágenes en movimiento. El mito del vampiro entraba en nuestras pesadillas por culpa de este maestro de los movimientos de cámara.

Fritz Lang, tal vez en una época fue el mejor director de cine del mundo. No necesita presentación, sus obras hablarán por él: Metropolis (1927), la gran abuela de las obras de ciencia ficción en el cine, una fuente interminable de ideas; M, el vampiro de Dusseldorf (1931), una escuela por sí sola para cualquier estudioso del arte cinematográfico, de su lenguaje.

Luis Buñuel, el más atrevido de todos, el más loco, para él todo estaba permitido. El surrealismo como mirada profunda al ser humano, tal vez muy personal: para cada uno de nosotros sus símbolos tienen distintos significados, esto hace más rico aún su lenguaje. El perro andaluz (1929), espeluznante pesadilla rodada, y, a pesar de ello, digna de cualquier estudio que realicen los más ávidos y sagaces críticos, me abstengo de esto, me sobrepasa. Un deber de los amigos del cine es la lectura de cualquiera de sus títulos: Viridiana (1961), El ángel exterminador (1962) o Tristana (1970), entre otros, son un viaje profundo a la mente de "el otro".

William Wyler, Ben-Hur (1959) o la respuesta a la pregunta ¿por qué es grande el cine? Por su capacidad para hacernos andar junto a Cristo, verle hablar con los suyos, allá en lo lejos, y proseguir nuestro camino, navegar en galeras y luchar en una carrera de cuadrigas contra todo el Imperio Romano. Con él desaparece la cámara, simplemente estamos ahí, nos asomamos desde la cubierta de una embarcación romana a ver remar a los sentenciados de por vida, nos echamos a andar por el monte del Calvario, donde las tres cruces quedan atrás…

Ingmar Bergman, de los que cito aquí es el que pudiera tener una lectura más filosófica, con él nos enfrentamos al hombre que sabe que va a morir, que conoce que su vida tiene un final. El sufrimiento de nuestra especie como individuos con capacidad para sentir y razonar sobre ello queda manifiesto en su obra: El séptimo sello (1957), es la más obligatoria, a mi entender.

Jean-Luc Godard, o el cine libre, sin ataduras, concentrado en las emociones humanas y las pulsiones rápidas que lo manejan todo en cualquier motivo o circunstancia. Su retrato va desde una crítica a la sociedad del ocio en Week end (1967) hasta la transmisión de mensajes políticos como en Pierrot, el loco (1965). El suyo es un cine bello y lleno de sorpresas, algo distinto. Su obra más atractiva para toda clase de públicos es Al final de la escapada (1960), es tan fresca que sientes que nunca tendrás una hierba más tierna que llevarte a la boca, una sana lechuga, amigos.

Antes de escribir una crítica cinematográfica, enfréntate a varias películas que tengan más de 40 años, por favor.

Imágenes que nos hablan de la grandeza del cine:

Fotograma de la película Metrópolis (1927)

  

Fotograma de la película La diligencia (1939)

Fotograma de la película La fiera de mi niña (1938)

Fotograma de la película Al final de la escapada (1960)

Te invito a leer los siguientes artículos de mi cuaderno para saber más de:

El lenguaje cinematográfico, Metrópolis (1927), Psicosis (1960).

La devaluación de la imagen del crítico de cine. Creer que todos podemos hacer de carpinteros o de futbolistas no es bueno, cada uno de nosotros tiene aptitudes diferentes y no todos estamos preparados para —es el caso que juzgo aquí— hacer una crítica de cine. No es lo más difícil del mundo, pero tampoco es coser y cantar; en cualquier modo, sólo animaría a los miles de aficionados que habitan la Red y dejan en ella sus críticas cinematográficas a que leyeran mucho sobre cine, que visionaran muchos largometrajes, cortos, documentales, etc. y que exploraran otras formas de valorar una película que no sean tan subjetivas como decir: "La película es mala porque no me gustó o porque me aburrió". La formación, querámoslo o no, es fundamental a la hora de hacer una reseña sobre cualquier obra de arte. Leer un gran número de libros es necesario para aprender a construir bien el lenguaje que usamos, de otro modo, habremos contribuido a devaluar la imagen del crítico de cine.

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