Ask the dust (2006), Salma Hayek, John Fante y Bukowski

Antonio Bandini, alter ego del escritor John Fante, me sirve para ilustrar e intentar comprender el porqué del daño que hacen algunas personas a otras que quieren. Realmente se sienten heridas constantemente por una dependencia y amor a sí mismos en confrontación con un amor a la persona que necesitan. Es una lucha entre el amor egocéntrico y el entregado, como le ocurre a la Tierra (que lo lleva mejor), dos son las principales fuerzas que lo mueven: rotación (alrededor de sí mismo) y traslación (alrededor de otro ente). 

Arriba, vemos a Bandini en la orilla del mar gritando por Camilla al ver que ha desaparecido de su lado.

Tras unos agónicos momentos para Bandini, Camilla surge del mar en todo su esplendor. Había sido una broma.

La reacción de Bandini es la de coger a la bella Camilla y aplicarle un castigo.

El joven escritor italiano zambulle con rabia a la muchacha en dos ocasiones.

Después de una más de las reacciones extrañas del irascible Bandini, Camilla le anuncia, también una vez más, que aquella será la última vez que se lo permita.

La justificación de Bandini viene a explicarnos el porqué de su comportamiento. Ha sufrido un dolor, creyendo que la perdía, y también ha sentido la posibilidad de morir él al intentar buscarla. Es la primera vez que se baña en el agua del mar, no sabe nadar.

Parece que el novelista John Fante (1909-1983) era una especie de dios para su colega Charles Bukowski (1920-1994), que no dudaba en elogiar su obra y querer, de alguna manera, homenajearla. Los dos podrían definirse como representantes del llamado realismo sucio. Muchas veces se ha dicho, con gran acierto, que hay novelas que son imposibles de versionar en el cine (aunque se haya logrado en contadas ocasiones), pues bien, Ask the dust (1939) es una de esas obras intratables cinematográficamente. El director y guionista Robert Towne lo hizo en 2006 y consiguió un filme que en unas pocas ocasiones parece conseguir atrapar el espíritu original, mas ese es muy escurridizo y pronto se le escapa volando. Una de mis debilidades es, tengo que reconocerlo, Salma Hayek, una actriz agraciada por las musas del Parnaso, las cuales no dudaron en dotarla de una gran belleza, al tiempo que la adornaban de simpatía e inteligencia, una joya, vaya, que ha sabido desarrollar por sí sola una buena capacidad para la interpretación. Sólo por ella siempre es bueno visionar un largometraje. Ahora bien, para no ganarme enemigos, tengo que advertir las deficiencias del filme que tratamos hoy: no complace a los que buscan en él una historia de amor ejemplar, no termina de gustar a los que quieren que en el cine ocurra lo que ellos llaman "algo" (que pudiera ser un principio, un nudo y un desenlace cargados de emociones), para muchos resulta inexplicable que Camilla soporte tantos malos tratos de su novio, el espíritu original de la novela no está bien llevado hasta su final... Por otro lado, el actor Colin Farell que, en principio, parecía una buena elección, y creo que en varias ocasiones consigue entrar en el papel, no satisface las exigencias de los lectores de Fante, pues éstas son imposibles de complacer, lo entiendo. También es algo extraño que Robert Towne, que tiene una espléndida carrera como guionista, no hubiera podido realizar aquí algo mejor (Chinatown, 1974; The Parallax View, 1974; Shampoo, 1975; Creystoke, 1984; The Firm, 1993... no pienso que sea tan irregular como los más críticos afirman).

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Anuncio de 1985 sobre el futuro de las comunicaciones

¡Qué recuerdos! Es emocionante ver que, por una vez, llevaban razón.
Para que los que desconozcan la información: el anuncio juega con el uso de la voz que doblaba al divulgador científico y astrónomo Carl Sagan en la serie de documentales Cosmos (1980): José María del Río, y con la música de aquel programa: el tema es del compositor Vangelis y se llama Alpha. En aquel año de 1985, nunca imaginé que la Red llegara a convertirse en lo que es hoy en día: una gran enciclopedia para el esparcimiento del conocimiento (tanto el bueno como el malo).

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Las sinopsis de nuestra vida

Cartel publicitario de la película Lo que el viento se llevó (1939)

Cuando nos encontramos con un amigo viejo que hace años que no vemos, a menudo nos hace la siguiente pregunta: ¿Y qué ha sido de tu vida? A veces, esa persona espera que le hagamos un pequeño resumen de nuestra existencia desde la última vez que le tratamos, sí, parece desearlo: quiere conocer las idas y venidas en trabajos y en noviazgos y/o matrimonios, casi nada. Este asunto me recuerda a las populares sinopsis que leemos antes de entrar al cine o de visionar una película en nuestra televisión. Esos resúmenes a veces cambian bastante la historia que intentan publicitar, otras veces cuentan más de la cuenta… Sé que escribir una sinopsis de un largometraje es una tarea difícil, he tenido que hacer unas cuantas. Me pregunto: ¿Aquel que sea experto en hacer sinopsis para las películas lo tendrá más fácil a la hora de responder a un viejo amigo que le pregunte por su vida?

Sinopsis anónima de Lo que el viento se llevó (1939):

"Georgia, 1861. En la elegante mansión sureña de Tara, vive Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), la joven más bella, caprichosa y egoísta de la región. Ella suspira por el amor de Ashley (Leslie Howard), pero él está prometido con su prima, la dulce y bondadosa Melanie (Olivia de Havilland). En la última fiesta, antes del estallido de la Guerra de Secesión (1861-1865), Scarlett conoce al simpático, cínico y apuesto Rhett Butler (Clark Gable), un vividor arrogante y aventurero, que sólo piensa en sí mismo y que no tiene ninguna intención de participar en la contienda. Lo único que él desea es hacerse rico y conquistar el corazón de la hermosa Scarlett."

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Tippi Degré, la niña blanca que se crió en el África salvaje

Tippi Degré es de esos personajes que incitan a uno a dedicarles un artículo en el cuaderno de la Red; de hecho, hoy existen numerosos sitios que hablan de su curiosa historia: desde niña, se crió en el África salvaje, conviviendo con los animales de una reserva y haciendo amistad con dos tribus de africanos. Lo peor era que sus padres (fotógrafos profesionales) estaban todo el día sacándole fotos y que cuando creció la llevaron a vivir a París. En Francia, el país de sus ancestros, le costó mucho adaptarse a la vida moderna, los edificios no le dejaban ver el cielo, se sentía como en una prisión... Actualmente, Tippi tiene 23 años y estudia cine en la Universidad de la Sorbona, París.

Es curiosa la forma de pensar nuestra, hombres y mujeres de la civilización, que llamamos a Tippi: hija de la selva. Pero si en las selvas del mundo (y en sus cercanías) viven muchos indígenas niños: en tribus africanas, sudamericanas, australianas… Los hijos de la selva son también de otros colores, no sólo blancos. También llama la atención que hablemos de los temibles peligros de la vida salvaje en la naturaleza, ¿es que no hay peligros en una ciudad?, donde los coches se saltan todos las reglas a diario, hay conductores borrachos, bancos que te quitan la casa que no has podido pagar por culpa de unos exagerados intereses, explosiones en edificios producidas por escapes de gas, un marido loco que mata a su mujer, una banda de latin kings que te amenaza en un callejón oscuro, un ladrón de joyerías que usa la fuerza despiadada en sus atracos, un banco que te hace firmar depósitos a largo plazo (100 años), un vecino con un perro amaestrado para atacar, supermercados que venden comida basura, jabones que producen cáncer, bañeras resbaladizas en las que te caes y te partes la cadera...

En 2003, en la primera página que hice para la Red (que dediqué a la joven actriz Tina Majorino), escribí una reseña sobre esta asombrosa pequeña y su amigo, el elefante Abu. Estaba publicada en un portal Lycos que daba muchos problemas y que tuve que borrar, ahora recojo aquellas ganas de hablar de Tippi y las traslado a este cuaderno nuevo que tengo dedicado al cine, pues hay que reconocer que su historia es de película. La primera vez que busqué información en Internet sobre Tippi sólo existían dos lugares que hablaban de ella, uno era: Tippi, le site officiel (su página oficial); 10 años más tarde, hay muchos sitios en los que se aprecian y divulgan sus aventuras en África (aquellas quizá demasiado explotadas por una extraña forma de ver y sentir la naturaleza del National Geographic y de nosotros, los hombres y mujeres civilizados).

Este es parte de mi primitivo cuaderno en la Red, que realicé en 2003:

Tippi Degre, the girl, and Abu, the elephant:

Tippi Degre

Tippi is from Africa but her parents are french. "For 10 years, Tippi wandered the bush dressed only in a loincloth, befriending some of the world's most ferocious animals". (The Telegraph, London. December 27 2002)

You can see her in this web:

http://www.tippi.org/album-uk/

Tippi Degre comments:

To her mother: "No, Maman, it's not true that I loved it. It was great to see the elephants and the lions, but it would have been better if it hadn't always been in front of the camera. It was hard work, it was difficult, it was hot and I was not happy all the time. I was worn out at the end of it."

To all of us: "The reason I did the films and will do more is to show that we have to do something about saving the animals and the planet before it's too late ... I don't want to be famous. I just want to be normal."

Please read an article about Tippi, click here.

Si estás interesado en el tema, te propongo que acudas a estas direcciones donde desarrollan la historia de Tippi Degré con más amplitud:

http://ibytes.es/blog_Tippi_Degre_Africa.html
http://es.wikipedia.org/wiki/Tippi_Degr%C3%A9
http://www.selecciones.es/alma_salvaje
http://reflejosdeltao.wordpress.com/2011/05/12/tippi-degre-la-nina-que-nacio-en-la-selva-africana/

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Te invito a visitar mis cuadernos en la Red:

Aprende Inglés en tres años (está en construcción y ya tiene varias lecciones),

El periódico más breve (dedicado al cine, la televisión, el teatro, los libros...),

El cuaderno de Héctor y sus libros (sobre los libros que he publicado en Amazon),

Tina Majorino (dedicado a la joven actriz. Su primera publicación fue en Lycos, en 2003).

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Libros para niños, adolescentes y adultos

Un pirata llamado Thomas Alva Edison

Retrato del inventor y hombre de negocios Thomas Alva Edison

Hoy he recordado la vergonzosa historia de las cintas producidas por Georges Méliès en Francia y copiadas y vendidas por productores como Thomas Alva Edison (sí, el gran inventor) en los Estados Unidos. Todo un ejemplo de piratería comercial. Así lo cuenta Wikipedia, de la que extraigo un texto muy interesante:

"In May 1902 Méliès made his most famous film, A Trip to the Moon. The film includes the celebrated scene in which a spaceship hits the man in the moon in the eye; it was loosely based on Jules Verne's From the Earth to the Moon and H. G. Wells' The First Men in the Moon. In the film Méliès stars as Professor Barbenfouillis, a character similar to the astronomer he played in The Astronomer's Dream in 1898. Professor Barbenfouillis is president of the Astronomer's Club and oversees an expedition to the Moon. A space vehicle in the form of a large artillery shell is built in his laboratory, and he uses it to lead six men on a voyage to the moon. The vehicle is shot out of a large cannon and hits the Man in the Moon in the eye. The six men explore the moon's surface before going to sleep. As they dream, constellations dance around them and they are attacked by a group of moon men, played by acrobats from the Folies Bergère. They are chased back to their space-ship and then somehow fall from the moon back to earth, landing in the ocean (where a superimposed fish tank creates the illusion of the deep ocean). Eventually the six men return to their laboratory and are celebrated by adoring supporters.^[2] At 14 minutes, it was Méliès's longest film up to that date and cost 10,000 francs to produce. The film was an enormous success in France and around the world, and Méliès sold both black and white and hand-colored versions to exhibitioners. The film made Méliès famous in the United States, where such producers as Thomas Edison, Siegmund Lubin and Carl Laemmle had pirated illegal copies and made large amounts of money off of them. This piracy caused Méliès to open a Star Films office in New York City, with his brother Gaston Méliès in charge. Gaston had been unsuccessful in the shoe business and agreed to join his more successful brother in the film industry. He travelled to New York in November 1902 and discovered the extent of the piracy in the US, such as Biograph having paid royalties on Méliès's film to film promoter Charles Urban.^[7] When Gaston opened the branch office in New York, it included a charter that partly read "In opening a factory and office in New York we are prepared and determined energetically to pursue all counterfeiters and pirates. We will not speak twice, we will act!"^[2] Gaston was assisted in the US by Lucien Reulos, who was the husband of Gaston's sister-in-law, Louise de Mirmont.^[3]"

La traducción al castellano de este texto de arriba vendría a ser algo así:

"En mayo de 1902, Méliès hizo su película más famosa, Un viaje a la luna. La película incluye la célebre escena en que una nave espacial cae en el mismísimo ojo de la luna. Está basada libremente en las obras: De la tierra a la luna, de Julio Verne y El primer hombre en la luna, de H. G. Wells. La película está protagonizada por Méliès como el profesor Barbenfouillis, un personaje similar al astrónomo que interpretó en Sueño de un astrónomo en 1898. El profesor Barbenfouillis es presidente del Club del Astrónomo y supervisa una expedición a la luna. Un vehículo espacial en forma de un gran obús de artillería es construido en su laboratorio y será utilizado para llevar a seis hombres en un viaje a la luna. La nave es disparada por un cañón gigante que la envía al ojo de la luna. Los seis hombres explorarán la superficie lunar antes de ir a dormir. Mientras sueñan, las constelaciones bailan alrededor de ellos y son atacados por un grupo de hombres de la luna (selenitas), interpretados por acróbatas de Folies Bergère. Son perseguidos hasta su nave espacial y luego, con ella, caen de alguna forma de la luna a la Tierra, aterrizando en el océano (donde una pecera superpuesta crea la ilusión de las profundidades oceánicas). Finalmente los seis hombres regresan a su laboratorio, su llegada es festejada por los admiradores.^[2] Con 14 minutos, fue la película más larga de Méliès hasta esa fecha, su producción costó 10.000 francos. La cinta fue un enorme éxito en Francia y en todo el mundo, Méliès vendió versiones en blanco y negro y coloreadas a los distribuidores. La película popularizó a Méliès en los Estados Unidos, donde algunos productores como Thomas Edison, Siegmund Lubin y Carl Laemmle hicieron copias ilegales, ganando con ello grandes sumas de dinero. Esta piratería provocó que Méliès tuviera que abrir una oficina de Star Films en la ciudad de Nueva York, con su hermano Gaston Méliès al cargo. Gastón no había tenido éxito en el negocio de calzado y aceptó unirse a su hermano más exitoso en la industria del cine. En noviembre de 1902, viajó a Nueva York donde descubriría la dimensión de la piratería en los Estados Unidos, como que la compañía Biograph pagaba royalties de las películas de Méliès al distribuidor y productor Charles Urban.^[7] Cuando Gaston abrió la sucursal en Nueva York, en ésta podía leerse una carta que decía en parte "En la apertura de una oficina y fábrica en Nueva York estamos preparados y decididos enérgicamente a perseguir a todos los falsificadores y piratas. No hablaremos dos veces, actuaremos!"^[2] Gaston fue asistido en Estados Unidos por Lucien Reulos, que era el marido de la cuñada de Gaston, Louise de Mirmont.^[3]"

Podemos leer el artículo completo en: Georges Méliès.

Retrato del genial cineasta francés Georges Méliès

Lo que los cinéfilos sabemos es que Georges Méliès llegó a arruinarse después de invertir mucho dinero en sus películas. También nos cuenta la historia del cine que Thomas Alva Edison dirigía una compañía gigantesca que terminaba por absorber a todos sus competidores.

Versión coloreada del cortometraje Viaje a la luna (1902)

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Mitología moderna nacida en el cine (2)

Hollywood quería entretener con comedias alocadas, profundos melodramas, grandes producciones que hablaban de epopeyas, como Intolerancia (1916), mientras, en el resto del mundo, una multiplicidad de planteamientos se abrían camino: el expresionismo (Alemania, El gabinete del doctor Caligari, 1919), el cine político (Rusia, El acorazado Potemkin, 1925), la exploración de la psicología humana (Francia, Pasión de Juana de Arco, 1928), el realismo social (Alemania, Variété, 1925), un historicismo en forma de reivindicación (que también se realizó en América en películas como El nacimiento de una nación, 1915), el surrealismo (Francia, El perro andaluz, 1929)… Algunos dioses de nuestra mitología moderna  no estaban al margen de estas fuerzas, el genial director Fritz Lang firmaría en Alemania varias obras marcadas por el expresionismo. Greta Garbo, la diosa de la fotogenia, sobresaldría sobre otras muchas en Suecia, tierra de Selma Lagerlöf, en películas como La leyenda de Gösta Berling (1923) y de allí su gélida belleza saltaría a los Estados Unidos. Al margen de todas estas expresiones artísticas estaba Rodolfo Valentino, hoy en día extrañamente olvidado si consideramos que para millones de mujeres era el Apolo de Hollywood, la estrella más grande del imaginario cinematográfico.
 

Retrato de Rodolfo Valentino

Rudolph Valentino. Para entender la enorme figura que era Valentino en los años 20 del siglo XX se suele recurrir a recordar su entierro: todo ocurrió muy rápido, tenía sólo 31 años, era conocido en medio planeta y una fuerte peritonitis acababa con su vida. Alrededor de 100.000 personas se reunieron en las calles de Nueva York para despedir al astro de cine. Algunos seguidores se suicidaron. Pero, ¿quién era Valentino entonces? Era el amante latino por excelencia, en él se materializaban todos los ideales de un símbolo sexual ardiente, romántico y aventurero: Nació en Italia, vivió en París y triunfó en la Meca del cine, era un protagonista exótico y también un excelente bailarín. El caíd (1921), Sangre y arena (1922) y El águila negra (1925) son algunos de los largometrajes que le encumbraron al Olimpo de los dioses. A pesar de sus dos matrimonios, la leyenda cuenta que era homosexual (eso, en realidad, no lo sabía nadie más que él y sus supuestos amantes masculinos) y que aquellas uniones con mujeres eran sólo parte de la campaña para conservar su imagen de gran amante. Su prematura muerte impidió que su rostro envejeciera, su imagen será siempre la de un joven conquistador.

Entierro de Rodolfo Valentino, 24 de agosto de 1926

Retrato de un joven Fritz Lang, antes de perder el ojo derecho (ver nota 1)

Fritz Lang. Dos son las obras que colocan a Lang entre los mejores directores de la historia del cine: Metrópolis (1927) y El vampiro de Dusseldorf (1931). Un buen consejo que debería seguir todo cinéfilo es el de visionar con atención estos dos largometrajes y valorar el expresionismo como una forma de arte opuesta al impresionismo (escuelas que en el cine tuvieron algunas diferencias con su símiles en la pintura). Un director de cine recrea un mundo, el suyo es el trabajo de un Dios. El arte de Lang fue mejor entendido en Alemania, de la que tuvo que huir en 1934 al no coincidir su razón con la filosofía nazi que llegaba al poder. Después de rodar en Francia, viajó a los EEUU, donde tardaría en reemprender su carrera y adaptarse al gusto americano de hacer cine, más comercial y menos artístico, tal vez. A pesar de esto, rodó dos indiscutibles obras maestras en Hollywood: La mujer del cuadro (1944) y Secreto tras la puerta (1947), cine negro con un cierto toque que perturba la psique, en estas cintas no fallan el suspense ni el drama. En cualquier modo, imágenes de Metrópolis (1927) son como una ventana a un mundo futuro, a un sueño imposible lleno de poesía y plasticidad: algo bello y eterno en el recuerdo que conservamos de generación en generación.

 Retrato de Greta Garbo

Greta Garbo. La mujer fría. Los dioses la habían dotado con la gracia de la fotogenia, la cámara la quería, su rostro y sus gestos quedaban bien en cualquier posición y los espectadores, por consiguiente, la querían también. Durante mucho tiempo fue la número 1, tal vez se jugaba ese puesto de divina con Marlene Dietrich, con quien, se dice, habría tenido una relación amorosa en su primera juventud (la bisexualidad entre dioses es cosa común en esta mitología como en la de la Antigua Grecia). Su belleza es clásica y atemporal, fascina a los dos sexos. Recordemos también que fue una de las pocas estrellas que sobrevivió a la entrada del cine hablado: Anna Christie (1930) se publicitaba con el mensaje de: ¡Greta habla!; Ninotchka (1939), con el de ¡Greta sonríe! (era la primera vez)… Dejó el cine con 36 años y comenzó entonces una vida retirada. Odiaba que la retrataran según iba cumpliendo años. Para ella, este hecho real que significa envejecer es mejor llevarlo en la intimidad, no ocultaba sus canas y se vestía de forma discreta para pasar inadvertida. En la pantalla, su imagen permanece intocable, imperecedera, una deidad para la eternidad.

  

(nota 1) El misterio de los ojos de Fritz Lang podría explicarse así: durante la I Guerra Mundial perdió parte de la visión del ojo derecho; otras fuentes cuentan que fue en el rodaje de uno de sus Mabuse (trilogía) cuando sufrió un accidente con el que perdió su ojo. La cuestión es que se colocaba un monóculo en el ojo bueno y, ya de muy mayor, un parche en el ojo malo.


En el próximo artículo de Mitología moderna nacida del cine veremos juntos un especial dedicado a los primeros cómicos: Charlie Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, Oliver Hardy y Stan Lauren.

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Mitología moderna nacida en el cine (1)

Hay razones que sólo pueden ser entendidas bajo la mirada de la filosofía. Hay razones, también, que pertenecen a lo mitológico, ese es su reino. A continuación, comienzo un ciclo breve para que conozcamos algo de la mitología moderna nacida en el cine, sus personajes y sus tribulaciones.

Los hombres inventaron un aparato para crear fantasía. El trabajo de muchos en distintos países llevó a la creación de la caja mágica que capturaba imágenes en movimiento, a sus figuras y paisajes, y los conducía a la inmortalidad. No es sólo mérito de tres mortales aquel invento: en Francia, los hermanos Lumiére y en los EEUU, Thomas Alva Edison, que pudieron patentar sus máquinas al disponer de más medios, hubo más hombres detrás de la materialización de la cámara de cine (ver nota 1).

Fotografía del director de cine Georges Méliès

Georges Méliès, el primer dios del cine. Padre de la técnica cinematográfica. Él creó la gramática cinematográfica. También tenía un ídolo: Houdini, el gran mago; es curioso que hoy recordemos a Méliès como el mago del cine, por los múltiples trucos que usaba para crear fantasía en este nuevo arte: el fundido en negro, la sobreimpresión, el coloreado de fotogramas, la captura de movimiento foto a foto, etc. Viaje a la luna (1902) y 20000 leguas de viaje submarino (1907) son algunas de sus inmortales creaciones. El enorme éxito que tuvo su película Le voyage dans la Lune (1902) llegaría a los Estados Unidos, pero fueron otros los que disfrutaron de los beneficios, productores como Thomas Alva Edison hicieron copias piratas de la cinta para su proyección en las salas americanas. Méliès tuvo que abrir una oficina en Nueva York para luchar contra esta piratería. Como productor continuó invirtiendo mucho dinero en su cine, llegando a arruinarse en la siguiente década. Se retiraría trabajando en la tienda de juguetes propiedad de su segunda esposa.

Fotografía de la actriz de cine Theda Bara

Theda Bara. De entre las mortales, algunas mujeres eran elegidas por los creadores para convertirse en ninfas con las que tener ensoñaciones el resto de los hombres. Las primeras estrellas satisfarían el deseo de los varones; se llamaron “vampiresas”, “vamps” en los EEUU, y su lenguaje se basaba en el erotismo. Los lánguidos ojos de Theda Bara parecían decir que se entregaba fácilmente a las pasiones. Para dar fuerza a su mito, se manipularon sus orígenes, se decía que era hija de una concubina egipcia y un padre francés, que se conocieron en el exótico Sahara (otros hablaban de un jeque árabe y una mujer francesa, un artista italiano y una princesa de Arabia...). Además, tenía fama de conocer rituales mágicos de oriente (todo era parte de una falsa publicidad que hacían los estudios). La transformación había empezado cuando su pelo cambió de rubio a negro. Como una dríade con su árbol, su vida artística estaba ligada a lo que le permitiera su marido, pudo actuar hasta que este se lo prohibió. Es una pena que muchas de las películas que protagonizó, como Cleopatra (1917), fueran destruidas en los incendios de los Estudios Fox, en 1937.

Fotografía de la actriz de cine Mary Pickford

Mary Pickford. Para los más puritanos también hubo diosas, pero púdicas, como Mary Pickford. Su rostro ingenuo hablaba de pureza, pero también era traviesa y muy activa. Era la encarnación del ideal femenino, la primera “novia de América”, lo que significa que sus dorados cabellos llenaban las fantasías sexuales de esos hombres y alguna que otra mujer; era pura por fuera y sensual por dentro. Desgraciadamente, Pickford padecía de personalidad bipolar (que antes llamaban trastorno maníaco-depresivo). Ya siendo una estrella, cayó rendida de amor ante otro dios, Douglas Fairbanks, que ya estaba casado (estos amores entre dioses gozaban de gran aceptación en la época). Fue de las primeras que sufrieron el mal del Óscar, tras obtener uno por Coquette (1929), su carrera decayó, el público no soportó que su personaje evolucionara, que se hiciera adulta. Ella había sido una de las fundadoras de la United Artists, una de las mayores fábricas de sueños de nuestra era.

 Fotografía de las populares Sennett bathing beauties

Bathing girls. Las hermosas criaturas del agua. Para las risas de los mortales, estaban los “cops”, que caricaturizaban a los policías, y las “bathing girls” o “Sennett bathing beauties”, unas chicas algo libertinas y alegres que se burlaban del puritanismo americano. Es algo muy bueno recordarlas y continuar de alguna manera con su adoración. Su creador fue Mack Senett, rey de la comedia, luego dios de lo cómico. Parió para la escena, entre otros, al genio Charlie Chaplin, la inquietante Gloria Swanson, la simpática Mabel Normand, el cantante Bing Crosby...

(nota 1) El siguiente texto pertenece al libro Las claves de la historia del cine. Miguel Porter Moix y Palmira González López. Editorial Ariel, S.A. (1988): “Entre 1893 y 1896, existe constancia de más de cien aparatos destinados a la obtención y reproducción de imágenes fotográficas en movimiento. Así, en Alemania, existen los de Ottomar Anschutz (electrotaquiscopio, 1891) y Maximilian Sklanadovski (bioscop de 1895), en Italia los kinetógrafos de Filoteo Alberini (1894), en Gran Bretaña los de William Friese-Greene (1890) y Robert William Paul con su animatógrafo, 1895, y en Francia los aparatos de León Bouly (1893), el cronofotógrafo de Charles Demeny (1893) y los perfeccionamientos introducidos por él mismo y por Léon Gaumont en 1894. Mientras, en los Estados Unidos, Acmé Le Roy y Eugene Lauste presentaban sus aparatos en 1893 y, un año después, aparecía el fantascopio de Jenkins. A todos ellos cabría unir aquellos que, hasta finales de 1896, podrían considerarse coinventores.” Esta obra es una pieza más que recomendable para conocer la historia del cine.


En el próximo artículo de Mitología moderna nacida en el cine, conoceremos algo más de los dioses: Greta Garbo, Rodolfo Valentino y Fritz Lang.

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Imágenes del anuncio oficial de la película Oblivion (2013)

Imágenes del anuncio oficial de la película Oblivion (2013)

Siempre es bueno ayudar a una planta a alimentarse.

Cualquier película que promueva el deseo de saber es bienvenida.

Extrapolando la historia de Oblivion (2013) a nuestra realidad actual, se me ocurre que, tal vez, nuestra sociedad, tan sumergida en lo tecnológico, pretenda que no recordemos nuestra historia, nuestra filosofía, nuestra búsqueda...

Estas imágenes de arriba pertenecen al anuncio oficial de la película Oblivion (2013). La cinta fue dirigida y coproducida por Joseph Kosinski, que recordamos por Tron: Legacy (2010) y que estará al frente de la nueva versión de The black hole (1979). Su estreno está previsto para el próximo 19 de abril de 2013. Se trata de un filme de ciencia ficción basado en la novela gráfica de Comics Radical, Oblivion, escrita por el mismo Kosinski. Sus protagonistas son Tom Cruise, Olga Kurylenko, Andrea Riseborough, Morgan Freeman, Melissa Leo, Zoë Bell y Nikolaj Coster-Waldau. Según Kosinski, la cinta pretende hacer un homenaje a las películas de ciencia ficción de los años setenta.

Oblivion (2013) promete ser un espectáculo visual.

La sinopsis de la película es la que sigue:

"La Tierra, año 2015. La nave Odyssey viaja a Marte para instalarse en la primera estación base. En pleno viaje, un gran cubo blanco interrumpe su ruta. Como consecuencia de ello, toda la tripulación de la nave desaparece sin dejar rastro. Treinta años más tarde, la Tierra muestra un paisaje dantesco formado por ciudades en ruinas, rodeadas por inmensas dunas negras y difíciles formaciones geológicas. El misterioso cubo blanco, obra de una raza alienígena ya extinguida, tenía como misión encontrar mundos potencialmente habitables y crear en ellos ambientes adecuados para la vida. Ahora el cubo se encuentra en órbita con el planeta Tierra y procura deshacer el daño causado: repoblar el planeta con clones de la tripulación del Odyssey. Los clones, en la superficie, permanecen en las llamadas Watchtowers por todo lo largo y ancho de la Tierra. Uno de los miembros de estas Watchtowers, un clon llamado Jack Harper, ve caer del cielo un objeto en llamas. Se trata de una cápsula de escape que transporta a Julia Kanan, la única superviviente del Odyssey que huyó antes de que la nave fuera capturada por el cubo, y que es, además, un antiguo amor de Jack. Cuando las autoridades capturan a Julia, la memoria genética de Jack (que conserva su amor por ella) le llevará a tomar decisiones que nunca hubiera creído posibles y que podrían conducir a ambos a un desastre."

Anuncio oficial en inglés de la película Oblivion (2013)

Anuncio oficial en castellano de la película Oblivion (2013)

La humanidad siempre se ha mostrado inquietada por el sentido de la vida, la existencia nuestra: ¿Qué somos? ¿Pertenecemos realmente a la Tierra? ¿Por qué nos sentimos vacíos? En esta historia de ficción futurista, los humanos que restan son clones de unos anteriores, la metáfora podría encajar con nuestra desazón original, ¿quién sabe? ¿Somos algo que no debería ser?

Por cierto, oblivion es una palabra inglesa que procede del latín, oblivio, y significa olvido.

Meses después de escribir este pequeño artículo, tengo acceso a la edición en vídeo del largometraje Oblivion (2013) y puedo capturar un fotograma de este en el que recojo un pequeño homenaje que hace el director Joseph Kosinski a algunos grupos de música, entre ellos Duran Duran, la banda británica que, además, es mi favorita. He aquí el momento en que Jack Harper examina su colección de discos de vinilo, ahí está el fantástico álbum Rio (1982):

Fotograma de la película Oblivion (2013)

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Decepción como articulista de un cuaderno personal

Es decepcionante comprobar cómo los usuarios de la Red están más rápidos para hacer un comentario denigrante, amenazante o cargado de una crítica irreflexiva hacia mí o el contenido de mi cuaderno dedicado al cine, que para escribir un "gracias por tu información, me ha servido de gran utilidad".

Prefiero consolarme pensando que los artículos que escribí sobre El lenguaje cinematográfico,  Pinocho de Carlo Collodi, Los Vengadores (2012), Troya (2004), Dédalo e Ícaro, Al jubilado le dan palos, Rebeldes (1983), Que los trabajadores no tomen sopa de tortuga, entre otros, han resultado útiles a muchos usuarios, antes que atender a algunos de los comentarios, opresivos y ofensivos, que he recibido últimamente.

Atte. Ente.

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